Liste Mélusine Mai 2009
dimanche 3 mai 2009 00:07
Semaine_18
[Exposition Max Ernst à Madrid] EXPOSITION – Max Ernst, le surréalisme de retour à Madrid
lundi 20 avril 2009
L’artiste allemand Max Ernst est à nouveau à l’honneur dans la capitale espagnole. La fondation Mapfre expose, jusqu’au 31 mai, la collection de 184 collages Une semaine de bonté : des œuvres uniques réalisées en réponse au totalitarisme qui ébranlait l’Europe des années 30
Max Ernst. Le lion de Belfort 26 - Une semaine de bonté, 1933
Des hommes dépravés, une nature dévastatrice, des êtres mi-humains mi-animaux : l’univers imaginaire de Max Ernst inquiète, interpelle. Lors de sa première et unique présentation à Madrid en 1936, cinq collages sont d’ailleurs censurés, jugés blasphématoires. Soixante-treize ans plus tard, la collection est de retour.
Max Ernst réalise ces collages au cours de l’été 1933 : Adolf Hitler impose alors son régime totalitariste en Allemagne. En réponse, l’artiste dénonce, au travers de son œuvre, le pouvoir cruel de l’autorité établie, les excès de la classe bourgeoise, et met en scène la supériorité de la nature sur l’homme. Avec sa paire de ciseaux, il façonne ses rêves, mais avant tout ses pires cauchemars. Une semaine de bonté : une authentique manifestation du surréalisme, l’un des points culminants de ce mouvement du siècle dernier.
Interprétations multiples
La collection se décompose en sept tableaux. Chacun s’accompagne d’un élément et d’une couleur qui lui est propre. Le dimanche, le violet et la puissance du lion de Belfort prennent le pouvoir : Max Ernst expose toute l’opulence et la débauche de la bourgeoisie d’antan. Le lundi, c’est la nature qui s’impose : un déluge d’eau s’abat sur les hommes. Un segment du film Dreams that money can buy est également présenté. Des scènes de certains collages, notamment de la section dédiée à l’eau, sont recrées dans ce long-métrage de 1946.
Face à l’ensemble de ces œuvres, le public observe, dans un premier temps, la finesse du découpage. Puis, vient le temps de l’interprétation. Et l’exposition laisse libre cours à l’imagination. Seul un bref texte explicatif introduit chaque tableau de la collection : la force des images est mise en avant.
Max Ernst disait "ce n’est pas la colle qui fait le collage". Ce sont les multiples interprétations que referment ces créations qui font du surréaliste allemand un artiste majeur.
Jean TRICOIRE (www.lepetitjournal.com Madrid) Lundi 20 avril 2009
Pratique : Max Ernst, Une semaine de bonté –les collages originaux- jusqu’au 31 mai 2009 à la fondation Mapfre, Paseo de Recoletos, 23. 28004, Madrid. Tel : 91 581 61 00. www.exposicionesmapfrearte.com/maxernst
Horaires : Lundi, 14 – 20h. Mardi au samedi, 10 – 20h. Dimanche, 12 – 20h.
Visites guidées : Mardi, 12 – 19h. Entrée gratuite. Source : http://www.lepetitjournal.com/content/view/39565/307/
[Article] Kurt Schwitters, the great dadaist of Cumbria
Kurt Schwitters, a star of the dada movement, wanted to turn this barn into 'the ultimate artwork'. Now Damien Hirst is campaigning to get it restored. By Philip Oltermann
* Philip Oltermann
* The Guardian, Tuesday 28 April 2009
In the Sprengel Museum in Hanover , there is a cheekily doctored portrait of King Edward's eldest son, Prince Albert Victor. Half of his mustachioed face has been blacked out, and a razor blade has been glued across his chest in a reference to the (discredited) claims that the prince was Jack the Ripper. It looks like a piece of pop art, not unlike the Beatles' Sergeant Pepper LP, and so the date comes as a shock: 1947. A scrawl explains that this used to be a portrait of HRH, adding: "Now it is a Merz picture. Sorry!"
The prankster who wrote these words was Kurt Schwitters, one of the most innovative and eccentric artists of the 20th century. In his native Germany , there are schools and streets named after him. In Britain , where Schwitters spent his final 18 years, his legacy has been all but forgotten. Now a group of artists and academics, including Damien Hirst, Antony Gormley and Anish Kapoor, want to change that - by building a Schwitters museum in the crumbling barn near Ambleside in the Lake District where he worked.
Such a picture-postcard setting might seem an unlikely spot for a museum devoted to an artist now seen as one of the leading lights of the very urban dada movement; but Schwitters' life was anything but straightforward. Born in 1887 and brought up in Lower Saxony , he became Hanover 's official typographer, establishing a bourgeois lifestyle by the time he came into contact with the more anarchic figures of the Weimar Republic 's art world, such as George Grosz and Tristan Tzara.
Schwitters shared their techniques - cutting up newspapers, magazines and photographs and glueing them back together - but not their politics. His approach was also more wide-ranging, incorporating performance poetry, sculpture and architecture. A compulsive hoarder, he gradually transformed his home in Hanover into a sort of walk-in collage of detritus, incorporating paintings, abstract sculptures and found objects. The Merzbau, as Schwitters called this, grew so big that he had to ask his tenant on the floor above to move out so that he could break through the ceiling. (The term Merz was a contraction of the word Kommerz, and became a prefix for his collages.)
Schwitters fled Germany after one of his collages was included in the Nazis' exhibition of "degenerate art". He found his way to Britain , but most gallery directors refused to meet this tall eccentric with a German accent who only occasionally wore socks. To make matters worse, in 1943 Schwitters found out that his old home in Hanover , and with it the Merzbau, had been destroyed by Allied bombs. Depressed, Schwitters left London to holiday in the Lake District and never returned.
There, he earned a living painting portraits of Ambleside locals. One sitter, a retired gardener and landscape artist called Harry Pierce, offered him a disused barn as a studio. Schwitters accepted and, in 1947, began work on a new walk-in collage, christening it the Merz Barn. Pierce helped him gather ingredients: stones, pieces of glass, metal, broken picture frames, a china egg, gardening tools, all of which were to be plastered into the walls. "I am working three hours a day," Schwitters told a friend. "But I'll need three years."
In January 1948, Schwitters died of pneumonia. The Merz Barn, a one-hour walk from Wordsworth's cottage, soon became a secret pilgrimage spot for artists and academics. Damien Hirst remembers that a former teacher at Goldsmiths chanced upon it while rambling. "When they went inside," Hirst says, "it was filled with loads of old farming equipment; the windows were low down with grass growing outside, giving it an eerie green light throughout. To me, as a student, that was a very inspirational story."
In the 1960s, with the explosion of pop art, there was a renewed interest in collage. Richard Hamilton was given a grant to look into preserving the decaying Merz Barn. A whole sculpted plasterwork wall - as far as Schwitters had got in creating his "ultimate artwork" - was transported to Newcastle 's Hatton Gallery. But once the work was gone, the barn was forgotten.
More than 40 years later, Ian Hunter, an artist from Northern Ireland , received a grant to buy the farm. His charity, the Littoral Arts Trust, now plans to restore the barn, install a replica of the wall (the original is now estimated to be worth £15m) and open a community gallery. It is hoped that an auction at the Royal College of Art next month will raise the necessary £500,000.
Schwitters would have enjoyed being so valued in his adopted country. " England ," he once wrote to a friend, "is idyllic, romantic, more so than any other country." And he would certainly have appreciated the unlikeliness of his revival. As his gravestone in Germany says: "You never know".
Source : http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2009/apr/28/kurt-schwitters-dadaism-barn-cumbria
Une traduction en espagnol de cet article : http://www.rebelion.org/noticia.php?id=84560
Vol d'un tableau de Salvador Dali dans un musée des Pays-Bas
AMSTERDAM (Reuters) - Des inconnus armés ont dérobé deux tableaux dans un musée néerlandais, dont une oeuvre du peintre surréaliste espagnol Salvador Dali, rapporte la police.
Plusieurs voleurs masqués ont fait intrusion vers midi au musée Scheringa de Spanbroek, localité située au nord d'Amsterdam, et y ont saisi deux tableaux exposés en menaçant le personnel avec une arme, selon un communiqué de la police.
Les tableaux en question sont une pièce de Dali de 1941 intitulée "Adolescence", et "La Musicienne", oeuvre réalisée en 1929 par Tamara de Lempicka, peintre polonaise de l'époque Art déco. Tous deux appartiennent au musée néerlandais.
Les voleurs ont pris la fuite avec les tableaux à bord d'une petite voiture noire, a indiqué la police.
Catherine Hornby, version française Philippe Bas-Rabérin
Source : http://www.lepoint.fr/actualites/2009-05-01/vol-d-un-tableau-de-salvador-dali-dans-un-musee-des-pays-bas/1037/0/339915
[Exposition Brauner en Italie] Victor Brauner
Una selezione di opere dell’artista surrealista rumeno Victor Brauner. La mostra presenta oltre a un significativo insieme di opere grafiche (incisioni, litografie) e manifesti originali, i più importatanti libri illustrati.
biglietti: free admittance vernissage: 1 maggio 2009. ore 18 catalogo: in galleria autori: Victor Brauner
Source : http://www.exibart.com/profilo/eventiV2.asp?idelemento=71445
Calder de grandeur
Le centre Pompidou expose les assemblages du sculpteur américain, synonymes d’une inventivité ludique axée notamment autour de l’univers du cirque.
Réagir : ALEXIS JAKUBOWICZ
Alexander Calder, les années parisiennes, 1926-1933 Centre Pompidou. Jusqu’au 20 juillet. Rens. : 01 44 78 12 33.
Le tapis vert est déroulé, la piste déployée. Reste à monter les poteaux pour la voltige. La main droite allume un projecteur, la gauche fait tourner le phonographe. Chapiteau de fortune : Calder reçoit dans sa chambre parisienne. A genoux sur le plancher, il active ses figurines. Acrobate, dresseur, danseuse ou lion, ce petit monde en ferraille est docile. Chacun exécute son tour comme il faut devant les amis de Montparnasse, serrés sur un petit lit bas.
Le centre Pompidou met à l’honneur le Cirque d’Alexander Calder jusqu’au 20 juillet. Débarqué à Paris en 1926 comme un pèlerin à Compostelle, l’artiste américain s’enthousiasme d’abord en sculptant le mouvement. A la recherche d’un équilibre statique et dynamique, il s’improvise mécano des airs de jeux, assemble des personnages à coup de bric, et surtout de broc.
Mouvement. On pourrait s’interroger sur la nature esthétique de la ménagerie calderienne : ces jouets ont-ils bien leur place au Musée national d’art moderne ? Le montage adroit de Brigitte Léal et Joan Simon, commissaires d’exposition, satisfera les impatients et incrédules. Dès la première salle, on comprend ce que l’artiste met en jeu : «De même que l’on peut composer les couleurs, il est possible de composer les mouvements.» C’est tout le projet des fameux mobiles qui est en gestation sur la piste miniature du cirque.
Formé comme ingénieur, Calder se fait sculpteur et chorégraphe, ranime la matière et fait danser les choses. Les numéros de sa petite troupe sont bien rodés, il en donne des représentations pour les amis et la postérité. En 1955, l’artiste manipule ses trapézistes, chevaux et lanceurs de couteaux devant la caméra de Jean Painlevé. La projection du film sur les écrans de Beaubourg permet au public de dynamiser les figures réelles, présentées en état stationnaire pour des raisons évidentes de conservation.
Manège. Bien que figé sous la cloche du musée, chaque élément du chapiteau roule sa mécanique à travers les séquences présentées. Calder y est un grand-père idéal, attendrit les grands et fait rire les enfants. Si les années parisiennes (1926-1933) sont celles d’un manège enfantin, elles sont aussi propices à des affaires sérieuses. C’est qu’il y a du beau monde à Paris, capitale des rencontres capitales : ducs et duchesses, directeurs de musées, collectionneurs, écrivains, musiciens, architectes, photographes, journalistes et tapissiers, conservateurs et anarchistes se fréquentent avec une étonnante porosité sociale. A la lettre «M» de son carnet d’adresses, l’enfant de Philadelphie ajoute un Mondrian, un Miró et un Marcel (Duchamp bien entendu). L’un sera le déclencheur abstrait, l’autre un modèle pour la composition. Le dernier légitimera les mobiles en les nommant tels, tout simplement.
Fils du fer. À mesure que l’on progresse dans le parcours, les œuvres régressent. Elles se défont du plastique et du liège dont pouvaient être faits les Pinocchio du cirque. A Paris, l’Américain devient vraiment le fils du fer. En ligne s’affichent les portraits de Joséphine Baker (vers 1927), un lanceur de poids (1929), Romulus et Remus (1928). Chaque sculpture linéaire succède à un dessin, chacune aussi déjoue la pesanteur : suspendues, les œuvres se font plumes, à terre elles sont du plomb. On retiendra la masse légère d’un Arching Man (1929) gracieux, solide, indélogeable.
Devant les derniers travaux parisiens (1930-1932), le visiteur se trouve au cœur d’une gentille querelle néoplasticienne : aux rectangles et couleurs primaires voulus par l’abstraction, Calder ajoute la courbe et le mouvement. Sphères en bois plein et plaques de tôle dessinent dans l’espace des constructions réelles en flexion, au bord de la fêlure. Au passage du visiteur, l’air remue, le fer aussi. Pendus à quelques mètres du sol, les visages tordus dans le métal tournent au bout de leur ficelle. L’éclairage en projette le contour sur les murs, mais ce n’est pas la lumière qui trace les traits de ces figures. Le souffle de la foule, coupé dès le début, recompose à mesure les pièces de ce musée qui vibre un peu comme une cale d’air.
Source : http://www.liberation.fr/culture/0101560661-calder-de-grandeur
[Appel à contribution] Marges du surréalisme &traduction
Samuel Beckett Tommaso Landolfi André Pieyre de Mandiargues Octavio Paz
À l’occasion du centenaire de la naissance de Tommaso Landolfi (1908-1978) et d’André Pieyre de Mandiargues (1909-1991), à vingt ans de la mort de Samuel Beckett (1906-1989) et à dix de la disparition d’Octavio Paz (1914-1998) il s’agit d’attirer l’attention sur les corrélations qui unissent des écrivains nés durant la décennie qui a précédé la première guerre mondiale. En partant, notamment, de la ligne qui relie Landolfi et Mandiargues, de l’analyse de leur activité de traduction et d’interprétation de textes littéraires, on peut dégager l’hypothèse d’une convergence entre des expériences textuelles menées par de fortes personnalités, apparues elles aussi aux marges du surréalisme et dans la praxis de la traduction littéraire comme Samuel Beckett et Octavio Paz.
Cette recherche n’entend pas proposer une place déterminée pour chacun de ces auteurs (auteurs qui sont au centre d’autres perspectives intertextuelless dont on tiendra compte), mais veut susciter une réflexion comparatiste sur la crise du langage qui caractérise aussi bien leur oeuvre propre que leur contribution de lecteurs et de traducteurs, véritablement singulière et inclassable. Ce travail sollicite donc l’élaboration de parcours de recherche nouveaux et la formulation d’hypothèses de décodage textuel recevables, puisque se plaçant à l’intersection des trois niveaux de la production, de la réception et de l’interprétation des textes.
Les propositions de contribution (200-250 mots), avec un titre provisoire, vos coordonnées et accompagnée d'une notice biobibliographique (100-150 mots), sont à envoyer au plus tard le 20 juin 2009 à l'adresse électronique suivante : d.gachet@orange.frCette adresse email est protégée contre les robots des spammeurs, vous devez activer Javascript pour la voir. . Les contributions retenues par le comité scientifique, qui se réunira au plus tard le 30 juin, seront à remettre le 15 septembre 2009 ( max. 30 000 signes espaces compris). Ces textes feront l'objet d'une publication en ligne sur les sites des universités de Bordeaux, de Venise ainsi que sur le site fabula et d'une publication-papier, assurée par l'Université Ca' Foscari de Venise.Les contributeurs qui le désirent pourront en outre participer, à leurs frais, à la journée d'étude inaugurant le lancement de cette recherche (15 octobre 2009, Université de Bordeaux III) en y présentant leur communication.
Calendrier : Date limite d'envoi des propositions : 20 juin 2009
Date limite de remise des textes : 15 septembre 2009
Responsables : Delphine Gachet, Université de Bordeaux III, Alessandro Scarsella, Université Ca'Foscari, Venise
Source : http://equipe-telem.fr/index.php?option=com_content&view=article&id=198:marges-du-surrealisme-et-traduction&catid=50:appels-a-contribution&Itemid=86
NICE BIOT CONFÉRENCE LE SURRÉALISME, Maurice FRÉCHURET Directeur des musées nationaux du XXe siècle
Dans le cadre rénové du MUSÉE NATIONAL FERNAND LÉGER de Biot, près de Nice, récemment visité par Christine Albanel ministre de la culture, Maurice Fréchuret Directeur des musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes donnera ce jeudi 9 avril une conférence sur « LE SURRÉALISME 1924 - 1935 ».
Ce mouvement, à la fois littéraire et artistique, né en France après la création du mot par Apollinaire en 1917 (voir sur NiceRendezVous les nombreux articles sur Guillaume Apolinaire) et la publication du Manifeste du Surréalisme par Breton en 1924, connaît une rapide et importante expansion en Europe. Il encourage la prééminence du rêve et de l’inconscient dans la création et la pratique des chocs visuels par la juxtaposition d’images ou d’objets incongrus.Entrée libre dans la limite des places disponibles.
CONFÉRENCE LE SURRÉALISME, 1924 - 1935
Jeudi 9 avril 2009 à 19 heures
MUSEE NATIONAL FERNAND LEGER
Chemin du Val de Pome - 06410 Biot
Tél. 04 92 91 50 30 - Fax 04 92 91 50 31
www.musee-fernandleger.fr
Source : http://www.nicerendezvous.com/FR/NICE-BIOT-CONFERENCE-LE-SURREALISME,-MAURICE-FRECHURET-n-5051.html
carnet « 45/47 rue Blomet, adresse d'artistes ».
Savez-vous qu’aux 45/47 de la rue Blomet se trouvaient au tournant du XIXe et du XXe siècles des ateliers d’artistes aussi éminents qu’André Laoust, Alfred Boucher, André Masson, Joan Miró et Robert Desnos ?
Ce petit carnet vous invite à aller à leur rencontre et à découvrir leurs oeuvres, dont la rue conserve un magnifique exemple,
L’Oiseau lunaire de Miró, installé dans le square situé à l’emplacement des ateliers d’autrefois. Voir le site:
http://blometparadiso.over-blog.com/categorie-10672209.html
[Communiqué par Henri Béhar]
« Dali à la rencontre de Goya », à Lille Grand Palais
Dali aimait mettre sa patte dans des oeuvres, qui, a priori, n'avaient rien à voir avec son propre travail. Dali aimait mettre sa patte dans des oeuvres, qui, a priori, n'avaient rien à voir avec son propre travail.
| EXPOSITION |
C'est la première fois que seront présentés, dans un même lieu, « Les Caprices de Goya » et « Les Caprices de Goya revus par Salvador Dali ». 80 gravures originales à découvrir à Lille Grand Palais, dès demain et jusqu'au 7 juin.
« À ma connaissance, on n'a jamais fait le parallèle entre les Caprices de Goya et ceux de Dali. » Pour le faire, il faut avoir les deux versions. Soit 80 gravures originales. Et seul Serge Goldenberg possède les versions dalinisées. Dès demain et jusqu'au 7 juin, on pourra donc découvrir une exposition exceptionnelle. L'idée de juxtaposer les oeuvres des deux artistes est venue au gérant d'Artco France lors de l'exposition « Picasso et les maîtres » au Grand Palais à Paris, du 8 octobre au 2 février derniers.
Le collectionneur ne veut pas seulement exposer, il veut décrypter. « On va essayer d'expliquer simplement, avec des mots à nous, où on n'a pas besoin de dictionnaire pour comprendre. » On découvrira également 25 lithographies de Dali, ainsi que quelques grandes sculptures. Au total, ce sont 200 oeuvres qui seront exposées.
L'idée : comprendre un peu mieux les deux peintres espagnols, surtout le surréaliste Dali. « On ne sait jamais si c'est un fou ou u n génie », s'amuse Serge Goldenberg. Il donne l'exemple de la révélation de l'artiste quant à L'Angelus de Millet. « Il a été le seul à affirmer que dans le panier, au pied des deux paysans, il devait y avoir le cadavre d'un enfant. On l'a pris pour un fou. » Et pourtant... Un mythe que le collectionneur explique également dans l'exposition. • H. H.
« Dali à la rencontre de Goya », dès demain et jusqu'au 7 juin à Lille Grand Palais. Tous les jours, de 11 h à 19 h. Tarifs : adultes, 8 E groupes, moins de 20 ans, plus de 65 ans, 5 E jusqu'à 12 ans, entrée libre.
Source : http://www.lavoixdunord.fr/Locales/Metropole_Lilloise/actualite/Secteur_Metropole_Lilloise/2009/04/30/article_dali-a-la-rencontre-de-goya-des-demain.shtml
Le Bestiaire d'André Masson du 6 avril au 5 septembre 2009
Le Musée de La Poste présente, du 6 avril au 5 septembre 2009, l'exposition " Le Bestiaire d'André Masson " dans le cadre de sa programmation " Un timbre - un artiste ".
Elle réunit plus de 150 oeuvres : huiles sur toile, aquarelles, livres illustrés, dessins et gravures, dont un cabinet dédié à son bestiaire érotique.
André Masson, obsédé par les éléments, est un observateur attentif de la nature et de tout ce qui la peuple : insectes, animaux terrestres, animaux marins, forêts, champs de blés…
Rien n'échappe à son œil aiguisé et à son imagination féconde. Dès sa courte
période cubisante, la thématique du bestiaire est déjà présente dans son oeuvre, dont un tableau en porte le titre éponyme. Pour autant, les animaux du peintre français, lié au Surréalisme, n'ont rien d'une imitation à laquelle se serait livré un naturaliste. Ils subissent, au contraire, mille et une métamorphoses. Mi-animaux, mi-humains, mi-dieux, mi-végétaux, ils s'accouplent et se déchirent, se poursuivent ou s'affrontent en des combats meurtriers dans un environnement où la pierre, la plante, la bête sont en état de métamorphose permanente. Le bestiaire d'André Masson est donc un bestiaire insolite, " au tracé rapide, énergique, sans remords1 ",
qui se manifeste aussi bien dans ses somptueuses interprétations de la tauromachie que dans ses tableaux se référant à la mythologie. Masson est en effet hanté par les mythes, notamment celui du Minotaure, mi-homme mi-bête et tout ce qui s'y attache - Pasiphaé, Dédale et le labyrinthe. Ils lui permettent d'exprimer son sentiment du tragique, ses angoisses, ses révoltes et témoignent du caractère sensuel de l'artiste, de la brutalité du monde et de sa folie. Les animaux de Masson s'agitent comme sur une scène de théâtre, nous surprennent, nous inquiètent ou au contraire nous font sourire.[...]
Voir le site: http://www.museedelaposte.fr/Expositions/Le_Bestiaire_d_Andre_Masson/index.htm#1037
[Communiqué par Henri Béhar]
Eddie Breuil
mardi 5 mai 2009 17:07
Colloque Mandiargues
Bonjour,
Marie-Paule Berranger a tenté de vous transmettre le dépliant illustré en
couleurs. Il dépasse 6Mo, poids refusé par notre serveur de liste.
Je vous adresse donc, ci-après, le texte seul, en vous riant de vous adresser à
elle pour le plan du campus et la photo d'APM.
Bien cordialement. HB
___________________
Comité organisateur : Sibylle Pieyre de Mandiargues, Marie-Paule Berranger,
Claude Leroy
ContaCt : Marie-Paule Berranger, marie-paule.berranger@unicaen.fr
" Il n'est d'ouvre digne d'attention qui n'ait un peu de l'éclair et de la
foudre !" Fulgurants
et parfois sulfureux, la poésie comme les récits d'André Pieyre de Mandiargues
(1909-1991) passent de la description minutieuse du quotidien à la plus
sanglante
extravagance en révélant de troublants désirs. L'écrivain surréaliste dont on
célèbre
le centenaire fut aussi essayiste, critique, épistolier, et l'ami des grands
créateurs du
XXe siècle (Breton, Ernst, Paulhan, Cartier-Bresson, Octavio Paz.). Deux pôles
magnétiques aimantent son imaginaire : la Normandie de son enfance, qui nourrit
son
ouvre de fantasmes maritimes, et l'Italie aux architectures baroques ou "
métaphysiques
", chère aux artistes visionnaires.
LasLar
14 -17 mai 2009
Colloque du centenaire (1909-1991)
Université de Caen, IMEC (Abbaye d'Ardenne)
PLAISIR À MANDIARGUES
ligne de tram Gare - campus 1
Mrsh
université
Campus 1
gare snCf
Hôtel des
Quatrans
Hôtel des
Cordeliers
ConCeption : infographie MRSH Caen - 2009
apRèS-Midi
14 h Ouverture du colloque par Carole DORNIER, vice-présidente chargée
de la recherche à l'université de Caen, Brigitte DIaz, Directrice du LaSLaR,
Sibylle PIEYRE DE MaNDIaRGUES, Marie-Paule BERRaNGER, Claude LEROY
14 h 30-15 h Henryk CHUDAK (université de Varsovie, Pologne)
L'autoportrait de l'écrivain légué à la postérité,
Mandiargues à travers ses entretiens.
15 h-15 h 30 Chrystèle TARAVELLA (université Paris Ouest-Nanterre-La Défense)
Mandiargues-Breton : une rencontre sous influence ?
Discussion
16 h-16 h 30 Georgiana M. M. COLVILE (université de Tours)
Bona, l'âme-sour peintresse, poète et sérafin.
16 h 30-17 Adélaïde RUSSO (université de Baton Rouge, États-Unis)
Bona l'amour et la peinture.
Matin
9 h 30-10 h Marie-Paule BERRANGER (université de Caen)
Les Carnets de création : "logique(s) d'incohérence".
10 h-10 h 30 Claude LEROY (université Paris Ouest-Nanterre-La Défense)
Fables des origines, origines de la fable.
Discussion
11 h-11 h 30 Myriam BOUCHARENC (université Paris Ouest-Nanterre-La Défense)
La dernière fois.
apRèS-Midi
14 h-14 h 30 éric DUSSERT (Paris)
Un amateur d'imprudences.
14 h 30-15 h Béatrice BONHOMME (université de Nice-Sophia Antipolis)
Mandiargues au miroir de Jouve.
Discussion
15 h 30-16 h Gérard FARASSE (université du Littoral-Côte d'Opale)
Au grand jour (de Ponge et Mandiargues).
16 h-16 h 30 Stéphanie CARON (université Paris Ouest-Nanterre-La Défense)
Joyce Mansour, André Pieyre de Mandiargues,
l'amitié en palimpseste.
18 h-20 h Projection au Café des images, Caen
Présentation par Sibylle PIEYRE DE MANDIARGUES
Matin
9 h 30-10 h Marie HARTMANN (université de Caen)
Mandiargues essayiste.
10 h-10 h 30 Claude COSTE (université Grenoble III)
Arcimboldo selon Barthes et Mandiargues.
Discussion
11 h-11 h 30 Marie-José TRAMUTA (université de Caen)
Mandiargues et Alberto Savinio.
apRèS-Midi
13 h 30 Visite de l'Abbaye d'Ardenne et des archives de l'IMEC
15 h-15 h 30 Alain MASSUARD (IMEC)
Mandiargues et l'Italie.
15 h 30-16 h Anne GOURIO (université de Caen)
Sous le signe des pierres.
16 h-16 h 30 Alexandra DESTAIS (université de Caen)
Un érographe témoin de l'émergence de l'érotisme littéraire féminin.
Discussion
18 h Rencontres et lectures : Jacqueline DEMORNEX,
Alain MASSUARD, Sibylle PIEYRE DE MANDIARGUES
Visite de l'exposition conçue et réalisée par Claire PAULHAN et Pierre CLOUET
Matin
9 h 30-10 h Gérard-Denis FARCY (université de Caen)
Du côté du théâtre et du cinéma.
10 h-10 h 30 Alain CHEVRIER (Rouen)
Les " monuments incongrus " de Mandiargues revisités.
Discussion
11 h-11 h 30 Sophie LOIZEAU (université Paris Ouest-Nanterre-La Défense)
Survenue de la mort grave : Mandiargues poète.
apRèS-Midi
14 h-14 h 30 Anne CHEVALIER (université de Caen)
Les récits de Mandiargues (Le Musée noir, Soleil des Loups).
14 h 30-15 h Caecilia TERNISIEN (université Charles de Gaulle-Lille 3)
Le prénom Vanina dans Le Lis de mer .
15 h 30-16 h Birgit WAGNER (université de Vienne, Autriche)
Sardaigne mythique et écriture sous roche.
Mandiargues et Ernst Jünger.
VENDREDI 15 MAI
Université de Caen (Salle du Conseil, Bât. L)
JEUDI 14 MAI
Université de Caen (Salle du Conseil, Bât. L)
SAMEDI 16 MAI
IMEC (Abbaye d'Ardenne)
DIMANCHE 17 MAI
IMEC (Abbaye d'Ardenne)
dimanche 10 mai 2009 01:29
Semaine_19
Expositions :
• Giacometti • Masson • Surreal things •…
Projections :
• Léo Malet • Buñuel •
Publications :
• Luna Park •
Ventes :
• Tony Gonnet • documents surréalistes •
…
Le portrait surréaliste : Le surréalisme et ses marges au Portugal
Séminaire, le 15 mai de 16h à 18h, Centre Censier.
Maria Paula Mendes Coelho de Queiroz : "Le surréalisme et ses marges au Portugal : un curieux portrait"
les séances auront lieu à l’Université Paris III-Sorbonne Nouvelle, Centre Censier, 13 rue de Santeuil, 75005-PARIS (M° Censier-Daubenton), salle 410 (4e étage) le vendredi de 16h à 18h. Séminaire animé par Gabriel Saad, Maryse Vassevière et Françoise Py.
Exposition A. Giacometti à venir [Fondation Beyeler]
31 mai - 11 octobre 2009
La grande exposition d'été de la Fondation Beyeler promet d'être un sommet du calendrier culturel européen. Elle est consacrée à l'artiste suisse Alberto Giacometti (1901-1966) qui est devenu, à Paris, un des artistes les plus influents de l'époque moderne. Ses figures très expressives et ses dessins pleins de poésie nous émeuvent encore aujourd'hui. Giacometti se considérait comme partie intégrante d'un cosmos spatio-temporel dont les membres de sa famille étaient des points de référence essentiels. Cette exposition présente plus d'une centaine de travaux de toutes les périodes de création de l'artiste, appartenant à sa famille ou à des collections réputées du monde entier. Ils sont complétés par quelques oeuvres de son père Giovanni, de son frère Diego et de son oncle Augusto.
http://tr1.bp46.net/r5.aspx?GV1=ASP204N008XP000DW3000M7VA00090LEL
Rétrospective intégrale de Luis Buñuel
Rétrospective intégrale de Luis Buñuel Rétrospective intégrale Luis Buñuel du 10 juin au 2 août 2009 a la Cinémathèque française
Luis Buñuel, auteur d’Un chien andalou et de l’Âge d’or, incarne la subversion, l’insolence, et l’exaltation de l’irrationnel propre au surréalisme. L’éloge de l’incongru, la dissolution des frontières entre rêve et réalité, la peinture de fantasmes sexuels où se mêle un regard paradoxalement naturaliste caractérisent une des oeuvres majeures de l’histoire du cinéma.
UN CINEASTE OBSESSIONNEL
Il n’en reste pas moins que Luis Buñuel fait partie des grands cinéastes ouvertement obsessionnels. On peut affirmer sans exagération que la trilogie de la première partie de sa carrière (Un chien andalou / L’Âge d’or/Terre sans pain), réalisée de 1929 à 1933, contient déjà les 29 films suivants. Surréaliste, Buñuel le restera toute sa vie. Lui si peu bavard le répétait à la moindre occasion. Cette fidélité têtue à la grande affaire de sa jeunesse parisienne fait de lui l’unique cinéaste surréaliste, le seul à avoir compris le cocktail explosif entre la puissance émancipatrice du rêve et l’objectivité d’enregistrement propre au cinéma. Dès ses deux premiers films, il est un cinéaste de la netteté et non du flou artistique. C’est l’exagération proprement surréelle qui révèle un état des lieux. Prenons un exemple. Susana la perverse, Luis Buñuel
N’est-il pas vrai que la vie en société nous empêche de nous accoupler à toute heure et n’importe où ? Ces choses-là ne se font pas chez les êtres civilisés. Alors il suffira d’inventer le couple au désir inextinguible de L’Âge d’or, qui copule dans la boue pendant que l’on fonde la ville de Rome, un couple que l’on sépare sans cesse mais qui se reforme toujours, et dont la femme finit par s’exclamer : « Quelle joie ! Quelle joie d’avoir assassiné nos enfants ! » Tant il est vrai que les enfants sont rarement le facteur le plus épanouissant de la sexualité de leurs parents, dit-on.
Nous sommes loin, on le voit, d’une quelconque « écriture automatique » appliquée au cinéma. S’il est vain de vouloir le séparer du mouvement surréaliste, tant ce fut la rencontre la plus féconde de sa vie, Luis Buñuel est d’abord cinéaste, un cinéaste qui invente une nouvelle écriture naturaliste à la lumière du surréalisme. Fatalement, le résultat ne ressemble à rien de connu et obéit à une redoutable logique. Si Un chien andalou a fait sensation, L’Âge d’or fait violemment scandale. Ni les amis aristocrates du vicomte de Noailles qui refusent de lui serrer la main à l’issue de la projection, ni les ligues d’extrême droite qui détruisent le hall du Studio 28 ne s’y trompent ; eux voient bien qu’ils ne sont pas en présence d’un aimable et fumeux « film d’artiste » mais d’un véritable brûlot qui cherche à saper tous les fondements de l’ordre établi. Avec L’Âge d’or, le surréalisme est vraiment au service de la Révolution. Buñuel va le payer très cher. Sa mise entre parenthèses durera vingt ans, jusqu’au triomphe de Los Olvidados au Festival de Cannes de 1951. Beaucoup le croyaient mort.
Source : http://www.biosstars.com/news/09/retrospective-integrale-de-Luis-bunuel-0105131.html
Luna Park [à paraître]
Voici le sommaire du 5e volume de la revue Luna Park
Luna-Park # 5 Été 2009
Olivier Micha, Elisabeth Ou
Emmanuel Moses, On dit
Ivan Alechine, Au bal des papillons
Eugène Savitzkaya, Peuples périssables
Sophie Podolski, Portrait de la fragilité de Philippe Sollers
Lettre à Philippe Sollers
Marc Dachy, Un théâtre sans théâtre
Alain Arias-Misson, De Joan Brossa au Poème public
Marc Audí, Joan Brossa et la poésie-action
Joan Brossa, Actions spectacles en trois parties
Strip-tease et théâtre irrégulier
Alain Arias-Misson, Palabras fragiles
Duo du Chat et de la Souris à Manhattan
Ignacio Gómez de Liaño, Rencontres avec Dali
Marc Dachy, « La vie est une invention extraordinaire »
Eddie Breuil, Julius Heuberger, l’imprimeur anarchiste de Dada
David Lefranc, 13/05/21 Dada juge Barrès
Alain Jouffroy, Jacques Villeglé une victoire à contre-couran
E. E. Cummings, eimi Mar 26 mai
Paul Laborde, La Lettre et l’événement
Traduire en France
Laura Revelli Beaumont, Autobiographie de Téo Ung
ISBN 978 2 8025 0026 1 Distribution : Les Belles Lettres
En librairie le 17 mai 2009
Projection Léo Malet
Vendredi 15 mai 2009, centre Censier, 19h , Projection de Léo Malet, portrait d'un énergumène, documentaire de Jacques Mény et Dominique Rabourdin, CentreCensier, salle 49
À l’occasion des célébrations nationales pour le Centenaire de Léo Malet, Dominique Rabourdin présente son documentaire (65min), dans le cadre d’une programmation commune entre l’association et le Service Culturel de l’université de la Sorbonne Nouvelle-Paris III. Information communiquée par Henri Béha
Tony Gonnet
Le 9 novembre 2005, Henri Béhar, dans la présente liste, un avis de recherche au sujet de la période surréaliste du peintre Tony Gonnet. Voici qu’une part importante de son atelier est mise en vente, avec, notamment, une trentaine d’œuvres antérieures à 1953.
Vente de l'Atelier Tony Gonnet Lundi 18 mai 2009 à 14h30. Expositions publiques :
• samedi 16 mai 2009 de 11 h à 18 h
• lundi 18 mai 2009 de 11 h à 12 h
DROUOT-RICHELIEU SALLE 6 • Hôtel des ventes 9 rue Drouot - 75009 Paris Tél. : 01 48 00 20 06
Tony Gonnet, à la redécouverte d’un peintre
Pour Antoine Gonnet, dit Tony Gonnet, né en 1909 à Péronne dans une ancienne famille picarde, imagination était synonyme de liberté.
Dessinateur industriel à partir de 1936, il contribua comme ingénieur à la création d’un moteur d’avion de conception inédite. Avec l’entreprise à laquelle il appartenait, il gagna Casablanca en 1940. N’ayant pas obtenu de visa pour l’Amérique, Tony Gonnet revint à Paris en 1942, continua à travailler sur des moteurs et s’installa à l’Hôtel la Louisiane, rue de Seine, jusqu’en 1953.
Lisant beaucoup et fréquentant le Café de Flore, il devint une des figures de Saint-Germain des Prés, et compta parmi ses amis Roger Blin, Henri Crolla, Alain Cuny, Mouloudji, les frères Prévert, Saint-Exupéry, Simone Signoret et Serge Reggiani, qui a patronné sa dernière exposition parisienne en 1986.
À partir de 1941, Tony Gonnet se mit à dessiner puis à peindre, d’abord dans un style surréaliste (cat. 1 à 5), façon peut-être d’échapper aux horreurs de la guerre ; en 1946, il abandonna la figuration surréaliste pour l’abstraction, usant principalement de formes géométriques dans un style qui n’appartient qu’à lui, caractérisé par le jeu subtil des formes et des couleurs.
Ses premières peintures abstraites sont de mini-tableaux (19×13 cm) et des galets décorés (cat. 25-32). Puis il passa à de plus amples formats, que limita toujours sa modestie. Pour lui, aucun peintre contemporain n’a égalé Paul Klee.
La succession des tableaux de Tony Gonnet témoigne de la recherche d’une perfection plastique à laquelle il avait été formé comme dessinateur industriel, et chacun d’eux vise à réaliser une harmonie quasiment musicale, apparemment pour apporter de la joie, le tableau qu’il avait en cours étant aussi la réponse provisoire qu’il apportait à des interrogations existentielles.
Ses amis et la critique ont vite reconnu la singularité de cette démarche et la valeur esthétique du résultat. Il put alors abandonner son travail salarié et se consacrer à son œuvre, mais sans rien faire pour obtenir argent ou notoriété. Pour lui, a-t-il écrit «quelle qu’elle soit, la route passe nécessairement par l’oubli de soi».
Sa première exposition, à Paris en 1952 (Galerie Henriette Niepce), a été préfacée par Jean Genet. Puis les connaisseurs ont dit leur estime: en 1957 (Galerie de Seine), c’est Denys Chevalier qui a attiré l’attention sur le personnage et sa peinture, dans L’Observateur. L’exposition de 1960 (Galerie de l’Ancienne-Comédie) a été préfacée par Pierre Courthion, et celle de l’Abbaye de Sénanque en 1971 par Jean Cassou.
Depuis 1966, Tony Gonnet, qui avait épousé en 1964 Hatice Bagana, a partagé son temps entre l’atelier de Paris et leur maison de Serviers, près d’Uzès dans le Gard.
Par la suite, il a parfois ajouté au répertoire des formes abstraites le profil d’un visage (cat.161), ce qu’on peut voir comme une réminiscence du surréalisme ou comme appel à une réalité plus humaine.
Il a cessé de travailler en 2002 «par respect pour son oeuvre» et s’est éteint à Nîmes en 2004, à l’âge de 95 ans.
À l’initiative de Jean-Marc Roubaud, député-maire de Villeneuve-lez-Avignon, une exposition a présenté en 2007, à la Tour de Philippe le Bel, l’œuvre de Tony Gonnet durant les années 1950 et 1960.
Outre son atelier, il laisse le journal qu’il a tenu de 1940 à 1960, et ses archives; le tout sera conservé par l’Institut mémoires de l’édition contemporaine (IMEC) à l’Abbaye d’Ardenne près de Caen.
Son œuvre picturale est archivée à L’Institut national de l’histoire de l’art (INHA). Il reste à la préserver, et Hatice Gonnet est en contact à ce sujet avec la Fondation de France.
Jacques Lefort
Voir/télécharger le catalogue : http://www.tonygonnet.com/catalogue-drouot/catalogue.php
Information communiquée par Henri Béhar
Article sur Front rouge
A lire sur :http://www.mediapart.fr/club/edition/les-mains-dans-les-poches/article/070509/front-rouge
Vente de documents surréalistes et autres chez ARTCURIAL.
De nombreux lots sur le surréalisme, le surréalisme révolutionnaire, le lettrisme, les affiches de mai68 etc en vente chez Artcurial et que les lots sont exposés du 11 au 13 mai de 11h à 19h. La vente aura lieu le 14 mai.
ARTCURIAL Hôtel Marcel Dassault 7 rond-point des Champs-Élysées 75008 Paris
Le catalogue de la vente est téléchargeable gratuitement ici: http://www.artcurial.com/fr/asp/searchresults.asp?pg=1&ps=25&st=D&sale_no=1567+++
Information communiquée par Fabrice Flahutez
[Exposition des photographies de Dalí]
ART-EXPOSITIONS - Vingt ans après sa mort, Dali est encore à l'oeuvre
À l'occasion du vingtième anniversaire de la disparition du peintre espagnol, l'espace Dali, à Montmartre, expose plusieurs dizaines de photographies qui rendent hommage au travail de l'artiste.
Par Malak Bennis
Vingt ans après sa mort, Dali est encore à l'oeuvre
Musique aérienne, murs sobrement peints, l'espace Dali a tout prévu pour laisser de la place au déploiement de l'énergie exubérante de l'artiste et maître du surréalisme. Vingt ans après sa disparition, le petit musée de la rue Poulbot commémore l'esprit et le talent de Salvador Dali. Comment ? Le procédé est original. Plusieurs photos prises par son grand ami, le Français Robert Descharnes, ont été mêlées à ses peintures et sculptures.
L'intimité qui liait les deux hommes a permis à l'oeil de Descharnes de saisir le moment où se joue la création de l'oeuvre. "Mon père n'a quasiment pas connu son propre père, mort pendant la Première Guerre mondiale, affirme Nicolas Descharnes, fils du photographe. Il était complètement envoûté par Dali, qu'il considérait quelque part comme ce parent qu'il n'a jamais eu. Dali le savait et en profitait d'une certaine manière." C'est donc ce rapport privilégié qui s'exprime au travers de ces clichés exceptionnels sur lesquels on découvre un Salvador Dali en pleine inspiration.
Mais le Catalan est artiste jusqu'au bout de sa moustache. Dali devant l'objectif, c'est Dali absorbé par la création, mais conscient d'être le modèle photographique de Descharnes. Souvent, il théâtralisait ses poses, yeux grands ouverts, comme si la créativité de son esprit cherchait à en sortir, tant elle était abondante.
Pendant quelques semaines, l'espace Dali offre l'occasion de célébrer un artiste original, qui peint avec un bout de pieuvre, ou un fouet, comme il le fait si bien avec un pinceau. Dali le disait lui même : "Ma philosophie est celle de l'homme qui travaille et qui joue à la fois, c'est-à-dire qui pense et qui agit, dont la vie entière n'est que l'élaboration de sa pensée et dont la pensée tout entière est constamment exprimée par le jeu." Son parti pris est singulier. Un véritable régal pour nos sens.
Exposition Dali à l'oeuvre, jusqu'au 24 juin 2009, à l'Espace Dali- 11 rue Poulbot 75018. Téléphone : 01.42.64.40.10
Source : http://www.lepoint.fr/actualites-exposition/2009-05-07/art-expositions-vingt-ans-apres-sa-mort-dali-est-encore-a-l-oeuvre/1039/0/341303
Précision sur le colloque Mandiargues
Le colloque André Pieyre de Mandiargues, en raison du blocage suivi de la fermeture administrative des locaux du campus 1 de l'université de Caen se tiendra dès le jeudi 14 à14h et jusqu'au dimanche inclus sur les lieux de l'IMEC à l'abbaye d'Ardenne, où l'on pourra aussi profiter de l'exposition des archives.
Source : Marie-Paule Berranger
Surreal things [exposition]
Une exposition rend hommage au surréalisme des années 1920 et 1930 à Toronto PAR VICTORIA AHEARN
06 mai 2009 17:50
TORONTO - Un faux homard accroché au combiné d'un téléphone à cadran, une causeuse rouge en forme de lèvres et une image de mains flottantes avec des yeux dans les paumes font partie des objets qui forment l'exposition "Surreal Things", présentée à compter de samedi au Musée des beaux-arts de l'Ontario.
Ce passage au musée torontois est le seul arrêt prévu en sol nord-américain pour la collection mise sur pied par le Victoria and Albert Museum de Londres. Elle inclut 180 oeuvres d'artistes surréalistes tels que Salvador Dali, Giorgio de Chirico, Joan Miro, Max Ernst et René Magritte. Elle se poursuivra jusqu'au 30 août.
A travers des toiles, des photos, des sculptures, de la céramique, des meubles, des vêtements, des bijoux, des tissus et des films, l'exposition examine l'influence du surréalisme sur l'univers du design et les tensions suscitées par la commercialisation du mouvement artistique qui a tenté de changer les perceptions dans les années 1920 et 1930, a expliqué la conservatrice du musée londonien, Ghislaine Wood.
"Ce n'est pas une exposition qui vise à présenter le surréalisme comme un mouvement artistique d'avant-garde, expliquait Mme Wood, mardi, lors d'une visite de presse. C'est une exposition qui explore comment le surréalisme s'est intégré très rapidement à toutes les sphères du design au cours de la période classique, c'est-à-dire entre les guerres.
"Cela a affecté la vie quotidienne des gens à travers les magazines de mode, la mode, les films, la photographie, la décoration intérieure et un genre d'esthétique surréaliste", a-t-elle ajouté.
L'exposition a été présentée pour la première fois au Victoria and Albert Museum en mars 2007. Elle a ensuite été vue à Rotterdam, aux Pays-Bas, et à Bilbao, en Espagne. Certains musées américains pensent à la présenter, mais rien n'a encore été confirmé, selon le directeur du MBA de l'Ontario, Matthew Teitelbaum. "Nous croyons que nous serons le seul endroit à la présenter en Amérique du Nord", a-t-il dit.
L'exposition a été modifiée pour Toronto, certaines des oeuvres ayant été rendues à leurs propriétaires, qui les avaient prêtées, a expliqué Mme Wood. L'exposition torontoise présentera cependant certains objets qui n'étaient pas dans la version européenne, dont des oeuvres du Museum of Modern Art de New York, du Wadsworth Atheneum de Hartford, au Connecticut, et du Musée des beaux-arts du Canada, à Ottawa.
Les faits saillants de l'exposition incluent une causeuse en forme de lèvres faite par Dali et Edward James en 1938. On y retrouve également le "Téléphone aphrodisiaque" de Dali, surmonté d'un crustacé en plastique.
L'exposition ne contient aucune oeuvre canadienne, puisqu'elle se concentre sur les oeuvres surréalistes des années 1920 et 1930. "Elle précède donc un bon nombre de pays qui ont joint le mouvement surréaliste un peu plus tard, après la guerre", a justifié Mme Wood.
L'exposition "Surreal Things" a attiré 800 000 visiteurs en Europe, selon la conservatrice londonienne.
Nouvelles de ©La Presse Canadienne, 2009
Source : http://www.journalmetro.com/culture/article/224687--une-exposition-rend-hommage-au-surrealisme-des-annees-1920-et-1930-a-toronto
Exposition Masson, musée de la Poste
Le bestiaire surréaliste d'André Masson
Redécouvrir le peintre surréaliste André Masson à travers plus de 150 de ses œuvres, c'est ce que propose actuellement le musée de la Poste à ses visiteurs. Jusqu'au 5 septembre. »
Depuis un accrochage à la Sorbonne il y a une vingtaine d’années, André Masson (1896-1987) n’avait plus été exposé à Paris.
La dernière présentation du travail du peintre dans un musée de la capitale remonte même à plus de quarante ans. En revanche, en Allemagne, en Suisse et en Espagne notamment (et aussi au MOMA, le musée d’art moderne de New-York) des hommages plus récents ont été rendus à ce « surréaliste de naissance », comme il aimait à se définir.
Une démarche que le musée de La Poste s’approprie ce printemps en réunissant depuis le 6 avril au sein de sa galerie du Messager plus de 150 de ses œuvres. « Masson est un très grand artiste, de la trempe d’un De Chirico ou d’un Calder, affirme Josette Rasle, la commissaire d’exposition, les gens qui s’intéressent à son travail, qui prennent le temps de s’y arrêter sont conquis par ses prouesses stylistiques, par sa capacité d’évocation. » Cette dernière traduit en particulier la relation mystique, profondément charnelle que Masson entretenait avec la nature.
« Ressentir les forces naturelles »
Ainsi, lorsqu’il se rend en Espagne au début des années trente, et alors qu’il dort à la belle étoile avec son épouse près du monastère de Montserrat, il dit « se sentir en intense fusion » avec l’environnement et la matière qui l’entourent.
Quelques années plus tard, exilé aux Etats-Unis avec plusieurs de ses compagnons surréalistes en raison de la guerre, il affirmera « ressentir les forces naturelles, bien plus que les paysages, comme nulle part ailleurs ». Les animaux font partie intégrante de cette passion irrépressible et absolue pour la nature. Tout au long de sa vie, et dans les multiples endroits de France ou d’Europe où il s’est établi ou a séjourné, ils ont été pour lui une source inépuisable d’inspiration et de créativité.
« L’exposition, intitulée "Le Bestiaire d’André Masson ", a ainsi été conçue comme une rétrospective du travail du peintre sur les animaux, explique Josette Rasle, de sa courte période cubiste dans les années 20 à son immersion dans l’univers surréaliste et jusqu’à ses incursions vers l’expressionnisme, il n’a jamais cessé de les montrer, d’utiliser leur puissance allégorique et symbolique. »
Mi-bêtes, mi-hommes, mi-dieux mi-végétaux, les animaux de Masson – insectes, coqs, chevaux, taureaux, oiseaux, poissons… - se métamorphosent, s’accouplent, s’affrontent, se déchirent en permanence. Ils témoignent du regard révolté que le peintre porte sur les tragédies du monde, ses brutalités, sa folie… D’autres thèmes récurrents chez lui, comme la mythologie (plusieurs œuvres présentées font référence au Minotaure, à Actéon, Diomède… ), le désir, l’érotisme (les tableaux et dessins abordant ces aspects de la production du peintre sont rassemblés au sein d’un espace dédié) figurent aussi en bonne place dans l’exposition.
Huiles sur toiles, aquarelles, dessins ou illustrations au crayon ou à l’encre, gravures… : Masson utilisait toutes les techniques avec bonheur.
L’accrochage que propose le musée de La Poste jusqu’en septembre atteste ainsi de toute l’étendue de ses talents, et permet de faire découvrir ou redécouvrir l’immense artiste qu’il était. Ami de Bataille et de Breton - qui lui acheta son célèbre tableau "Les quatre éléments", dont le titre fut repris par Jean Grémillon pour son documentaire sur le peintre, visible dans l’expo - , il a aussi fréquenté la plupart de ceux qui ont contribué à l’essor culturel du XX ème siècle (Max Jacob, Antonin Artaud, Miró, Michel Leiris… ). Un artiste reconnu de ses pairs qui mérite vraiment aujourd’hui de l’être par un très large public.
Infos pratiques : Musée de La Poste 34 Bd de Vaugirard 75015 Paris
Du 6 avril au 5 septembre (ouvert tous les jours de 10 h à 18 h sauf dimanche et jours fériés, nocturne jusqu’à 21 h le lundi).
Tarifs : 6,5 € (tarif réduit : 5 €). Gratuit pour les moins de 13 ans, les groupes scolaires et les accompagnateurs.Le catalogue de l’exposition « Masson », préfacé par Juan Manuel Bonet, est coédité par l’Ecole nationale des beaux-arts et le musée de La Poste.
Source : http://www.paris.fr/portail/Culture/Portal.lut?page_id=102&document_type_id=2&document_id=67795&portlet_id=21966
Eddie Breuil
lundi 11 mai 2009 19:37 Assoc. Benjamin Péret
Bonjour à vous, L'association des Amis de Benjamin Péret http://www.benjamin-peret.org/association/presentation/l_association-des-amis-de-benjamin-peret.html nous communique sa Lettre d'information n° 28 Aux éditions sevendoc, après Yves Tanguy et André Breton, un nouveau
DVD sur Yves Elléouët : http://www.benjamin-peret.org/benjamin-peret/archives/yves-elleouet-
dvd.html Sur le site Arcane 17: le Manifeste pour un art révolutionnaire
indépendant lu par André Dussolier: http://www.arcane-17.com/rubrique,breton-et-trotsky,1119707.html
Sur la page d'accueil du site (http://www.benjamin-peret.org/) vous
trouverez la liste des derniers documents mis en ligne. Cliquez sur
les liens pour les ouvrir. Gérard Roche
50, rue de la Charité
69002 Lyon
Tél: 04 78 38 20 56
rochegerard@wanadoo.fr
Bien cordialement,
Le modérateur Henri Béhar
lundi 11 mai 2009 20:37 Cartes postales surréalistes
Chers amis de Mélusine, Quelqu'un pourrait-il me signaler ce qui est arrivé aux cartes postales éditées par le groupe surréaliste français avant la guerre? Ont-elles été vendues? utilisées par les membres du groupe? Certaines ont-elles été envoyées? A-t-on une idée du nombre et du tirage de ces cartes postales? Tout renseignement serait le bienvenu et d'avance, je remercie quiconque en apporterait à l'adresse suivante: scaperemy@aol.com Michel Remy Université de Nice (auteur de Surrealism in Britain)
mardi 12 mai 2009 13:41 CP surréalistes
Le jeu complet des 21 cartes postales surréalistes (21 X 4 sur fond bleu, sépia, paille, argent), édités par Georges Hugnet, a été exposé à l'Hôtel de Sully, Exposition La Photographie timbrée, mars-mai 2008. Le catalogue les reproduit.
Voyez l'article, le site et les références :
http://www.actuphoto.com/6873-la-photographie-timbree-s-expose-a-l-hotel-sully.html
Bien à vous.
MM
mardi 12 mai 2009 10:07 Re: Cartes postales surréalistes
Bonjour, des cartes postales ont été présentées lors de l'exposition:
la photographie timbrée
sur le site sully, jeu de paume, Paris
vous en aurez un appercu sur : http://www.jeudepaume.org/?page=article&idArt=543&lieu=2
Cordialement.
Sophie Schmit
mardi 12 mai 2009 07:00 Psychanalyse et littérature
Chères Mélusiennes, Chers Mélusiens,
Pascal Herlem, psychanalyste et spécialiste de Raymond Queneau dont il fréquente les textes depuis plus de vingt ans, vient de publier un recueil d’articles critiques sur le père de Zazie: Transports de sens-Écrits sur Raymond Queneau aux Éditions Calliopées. Ce livre plein d’humour et de verve s’inscrit au c¦ur d’une réflexion toujours d’actualité: les rapports entre psychanalyste et littérature. Un thème cher à Pascal Herlem puisqu’il vient d’organiser une journée d’étude à Annecy intitulée Le Psychanalyste et son écrivain…
Vous trouverez en pièce jointe une présentation du livre et un petit historique sur les activités de son auteur.
Bien à vous cordialement, Sylvie Tournadre
mercredi 13 mai 2009 00:01 RE: Cartes postales surréalistes
Bonsoir, la planche complète des "cartes postales surréalistes", non coupées, est également présentée en ce moment au Musée Rath ici à Genève, dans le cadre de l'expo consacrée à Albert Skira et aux années "Labyrinthe": http://www.ville-ge.ch/mah/index.php?content=5.2.1.1.1.1.&id_eve=528&langue=frs. Je n'ai par contre jamais vu de carte "écrite" (utilisée) mais j'ai celle de S.Dali (chiots-skieurs), "vierge", dans ma collection (ce qui démontre qu'elles ont été coupées, au moins); je ne sais par contre pas si elles ont jamais été commercialisées. Luca Notari http://www.editionsnotari.ch/catalogue.html
jeudi 14 mai 2009 14:52 Avide recherche
Bonjour à vous, le poète Georges-Emmanuel Clancier écrivant ses mémoires serait reconnaissant aux Mélusins et Mélusines susceptibles de lui fournir des informations sur Marie Picabia, fille de Francis Picabia et de Gabrielle Buffet, qui serait mort en déportation. Prière de répondre à mon adresse ci-dessous. Bien cordialement,
Le modérateur
Henri Béhar
samedi 16 mai 2009 23:01 Report
Bonjour à vous, La promenade prévue le Vendredi 29 mai 2009 à 21h "Promenade poétique de "la nuit du tournesol" est reportée au dimanche 14 juin à l'issue de l'Assemblée Générale annuelle de l'Association qui se tiendra, comme prévu, à l'atelier de Virginia Tentindo, au Bateau Lavoir, 6 rue Gareau, 75018 (interphone Tentindo, métro Abbesses) à 16h précises. Si vous ne pouvez prendre part à l'assemblée générale statutaire, n'oubliez pas d'envoyer votre pouvoir à un représentant ou, à défaut, en blanc, au Bureau. Bien cordialement,
Le modérateur
Henri Béhar
dimanche 17 mai 2009 10:37 cartes postales
Chères Mélusines, Chers Mélusins, pour éviter la multiplication des messages, voici regroupés ceux qui ont été adressés à la liste au sujet des cartes postales surréalistes: 1. Michel Pierssens signale Le site de vente aux enchères www.delcampe.net offre un très grand nombre de cartes postales dites «surréalistes» (mais aucune réalisée par des surréalistes) souvent d’une inspiration très voisine des «vraies» (et qui les ont inspirées?). 2. Lucrezia Mazzei se réfère à une page bien documentée: Bonjour, je ne sais pas si cela pourrait vous aider... Voilà ce que j'ai trouvé dans: Gérard Durozoi, Histoire du mouvement surréaliste, Paris, Hazan, 1997, p. 331. La plupart des surréalistes sont depuis longtemps des amateurs avertis de cartes postales, qu'ils utilisent abondamment pour leur correspondance — en choisissant généralement avec grand soin l'illustration pour qu'elle coïncide au moins en partie avec leur message — ou collectionnent. Dans ce dernier cas, ils privilégient, comme l'a fait Eluard dans sa célèbre collection, la période de 1'« Age d'or145 », pour le mélange de naïveté, d'érotisme, de fantaisie et de poésie involontaire qui s'y manifeste souvent, ou pour le talent des dessinateurs Modern Style (Mucha, Raphaël Kirchner - que Breton apprécie particulièrement). Sans doute l'industrie de la carte postale a-t-elle participé, aussi bien du côté allemand que du côté français, au bourrage de crâne durant la Première Guerre mondiale, mais il reste toujours possible de la détourner par addition de collage ou de quelques motifs gouaches - comme le fait très tôt Max Ernst, ou plus tard Hugnet, qui préfère les cartes où s'exhibent des nudités plus ou moins « innocentes ».
En 1937, l'édition par Georges Hugnet d'une « première série » (qui restera unique) de cartes postales, dont le verso porte, à l'imitation d'un tampon postal, l'inscription circulaire « La carte postale surréaliste garantie » (l'idée est de Man Ray) vient confirmer cet intérêt, mais suggère également que le Groupe entend trouver dans la carte postale un moyen de diffuser quelques images significatives de ses choix. Espoir sans doute déçu, car l'opération n'est pas une réussite financière.
145. Cf. le recueil d'Ado Kyrou L'Âge d'or de la carte postale, Paris, Balland-Le Terrain vague, 1966.
Cordialement, Lucrezia Mazzei 3. Enfin, comme il se doit, l'auteur de la question remercie:
Avec tous mes remerciements, chaque renseignement et témoignage me sont précieux! Il est dommage que plus aucun acteur de cette époque ne soit là pour répondre à mes questions...Peut-être en faisant tourner les tables de Guernesey? Avec mes amitiés surréalistes. Michel Remy
Bien cordialement,
Le modérateur
Henri Béhar
lundi 18 mai 2009 01:58
semaine 20
• Musée Magritte •
• Duchamp et l’érotisme (demain lundi !) •
• Publications : Dalí – Luna Park – Prigent – Suzanne Césaire •
• Expositions : Miro – Futurisme •
• Un Jules César très surréaliste • …
Musée Magritte
À BRUXELLES, MAGRITTE CHEZ LUI
PAR VÉRONIQUE PRAT
15/05/2009 | Mise à jour : 16:14 | Ajouter à ma sélection
La Belgique, qui possède la plus remarquable collection au monde d'œuvres de Magritte, lui consacre un musée. Le 20 mai prochain, il sera inauguré par le roi, et ouvert au public le 2 juin. Mais dès aujourd'hui, en avant-première, voici à quoi ressemblera le futur musée, et les œuvres que l'on y verra.
La création d'un nouveau musée est toujours un événement : le 2 juin prochain, au cœur de Bruxelles, place Royale, le musée Magritte ouvrira ses portes au public. Depuis un an, les piétons s'étaient habitués à l'immense bâche illustrée de L'Empire des lumières, l'un des plus célèbres tableaux du maître, qui drapait l'hôtel Altenloh pendant les travaux. Dans quelques jours, la bâche sera enlevée, découvrant l'un des rares musées monographiques d'Europe. René Magritte va donc avoir « son » musée, comme Van Gogh a le sien à Amsterdam ou Paul Klee à Berne. Un privilège rare.
Provenant des collections des Musées royaux des beaux-arts, eux-mêmes bénéficiaires du legs d'Irène Scutenaire-Hamoir et de celui de Georgette Magritte, la veuve du peintre, puis complété d'achats judicieux et de généreux prêts privés, l'ensemble d'œuvres de Magritte conservé ici est sans équivalent dans le monde : non seulement tous les grands chefs-d'œuvre du maître comme Le Bouquet tout fait (1957), Le Domaine d'Arnheim (1962) ou La Grande Guerre (1964) sont présents, mais, avec les 170 tableaux qui seront exposés, on pourra suivre la carrière de Magritte à toutes les époques de sa vie, sans la moindre lacune, depuis ses débuts encore tâtonnants jusqu'aux toiles de la fin. A côté des tableaux, on découvrira les dessins, les sculptures, mais aussi des documents plus intimes comme les lettres, les poèmes et les photos.
Occupant une surface de 2 500 mètres carrés, le parcours du musée se déploie sur cinq niveaux, dont trois réservés aux tableaux, et se veut à la fois chronologique et thématique. La visite débutera au troisième étage : on y verra Magritte à ses débuts, qui se cherche un peu. Il commence par regarder du côté de l'impressionnisme, puis vers le futurisme qui fait alors beaucoup parler de lui. En 1922, quand il épouse Georgette Berger, une amie d'enfance retrouvée par hasard au Jardin botanique de Bruxelles, à laquelle il sera fidèle toute sa vie, Magritte est attiré par un cubisme coloré, à la manière de Fernand Léger. Mais rien de tout cela ne le satisfait vraiment, et encore moins les papiers peints et les projets d'affiche, qu'il déteste faire, mais qui sont son gagne-pain. Tout va soudain s'éclairer avec la découverte de l'œuvre de Giorgio De Chirico dont un tableau, Le Chant d'amour, le bouleverse et dont il dira joliment plus tard : «Chirico, c'était la rupture totale avec les habitudes mentales des artistes prisonniers de leur virtuosité. Il s'agissait cette fois d'une vision nouvelle où le spectateur retrouvait son isolement et entendait le silence du monde.» Libéré de ses balbutiements, Magritte peint Le Jockey perdu, toile étrange située dans une forêt où les arbres sont des bilboquets aux allures de mannequins. On est en 1926, Magritte a trouvé sa voie.
Dans les années suivantes, que l'on parcourt au deuxième étage du musée Magritte, on retrouve le peintre après son échappée parisienne, puis en 1943 quand «il met le surréalisme au soleil», c'est-à-dire quand il peint des tableaux dont les fantasmes se parent de couleurs franches et vives. André Breton lui écrit aussitôt pour lui dire de ne pas se prendre pour Renoir, mais Magritte est déjà revenu à ses anciennes chimères. Une autre fois, en 1947, il s'abandonne à des sujets ingrats, des couleurs aigres, comme un sale gosse qui prend plaisir à choquer. Cette « période vache », qui n'est pas connue en France, sera présentée au musée de Bruxelles où elle risque d'être une révélation, pas forcément séduisante, pour beaucoup. Mais très vite, Magritte va retrouver son style : peindre en images ce que les poètes écrivent en mots.
Projet muséographique de grande ampleur, le musée Magritte n'aurait pu se faire sans l'intervention du mécénat. L'aide est venue du groupe industriel franco-belge GDF Suez qui, par l'intermédiaire de ses filiales Fabricom GTI et Ineo, a pris en charge les travaux de rénovation à l'intérieur du bâtiment afin de le rendre compatible avec sa nouvelle affectation en musée ainsi que la réalisation du dispositif audiovisuel et multimédia. Coût de l'opération : 6,5 millions d'euros. Tout est en place pour que, le 2 juin prochain, l'ouverture au public du musée Magritte, qui aura été inauguré le 20 mai par le roi Albert II, soit un événement. Jusqu'au Thalys qui, à partir du 15 mai, roulera aux couleurs de Magritte.
Qu'aurait pensé l'artiste de cette apothéose, de ce grand show qui se prépare, lui qui détestait les mouvements de foule et les interviews ? Qu'aurait-il dit de tout ce tapage, lui qui a toujours mené une vie tranquille, réglée comme du papier à musique ? Un homme très ordinaire : c'était ça, René Magritte. Jusqu'à sa mort, en 1967, il n'a changé ni le style de son chapeau ni la race de son chien. Sur la tête, un melon. En laisse, un loulou de Poméranie, blanc ou noir suivant les époques, mais invariablement appelé Toutou. Le reste était à l'unisson : Magritte habitait au 97, rue des Mimosas, à Bruxelles, une maison style lotissement de luxe avec trois poils de gazon et des pots de géraniums aux fenêtres. A l'intérieur, des meubles en acajou et des bibelots sur le piano. René peignait en complet veston dans un coin du salon, mais le tapis n'avait rien à craindre, il ne faisait jamais de taches. Tout cela semble bien banal. D'où lui vient alors l'immense succès qui le place actuellement au niveau d'un Marcel Duchamp et le désigne comme l'un des phares de la modernité ? Lui qui détestait le design, le graphisme, l'actualité, il influence depuis quarante ans tous les mouvements d'avant-garde : le pop art, l'hyperréalisme, l'art conceptuel, les artistes de la vidéo et la publicité, qui l'a plagié et pillé à l'envi. Ce qui n'empêche pas Magritte d'être surcoté sur le marché de l'art, de plaire aux ados tout en étant commenté par des esprits aussi distingués qu'Alain Robbe-Grillet et Michel Foucault. Aux interviews, il répondait pourtant par des phrases aussi insipides que : «Le succès est question de chance, non?»
Mais avec Magritte, il ne faut surtout pas se fier aux apparences : ce Landru brûlait le réel dans sa cuisinière. Avec lui, tous les repères sont bouleversés : certes, il s'inspire de la réalité, mais par des associations incongrues, il fait basculer le banal dans l'extraordinaire, le quotidien dans l'imprévu. Des pommes géantes font craquer les murs d'une chambre, des rochers lévitent au-dessus de paysages, des cornets à piston s'enflamment, des statues saignent, des montagnes se font oiseaux et des femmes, poissons. Un jour, il lui vient une autre idée : au lieu de bousculer l'ordre des choses, il jouera sur leurs affinités. Il peint alors un œuf prisonnier dans une cage, une chemise de nuit gonflée de seins véritables, des souliers s'achevant en doigts de pieds. Pour ajouter encore à l'ambiguïté, Magritte donnera à ses toiles des titres sans aucun rapport avec le sujet représenté.
«René n'espérait rien de la vie», dira Georgette, quelques années après la mort du peintre. «Je n'ai jamais su percer le secret de ses toiles ni la raison de leur magie», ajoutait-elle. Elles resteront donc inséparables de leur mystère. Magritte aussi.
Source : http://www.lefigaro.fr/lefigaromagazine/2009/05/16/01006-20090516ARTFIG00067--bruxelles-magri-t-te-chez-lui-.php
[Communication] « Marcel Duchamp et l’érotisme »
Programme du séminaire « Jeunes chercheurs », CELAM (Université Rennes 2), 2009
« VISIONS DU CORPS : LA SCENE EROTIQUE DANS LA LITTERATURE ET LES ARTS »
Sous la direction de Françoise Nicol, Laurence Perrigault et Myriam Robic
Lundi 18 mai 2008, 14h, salle B 332
Marc Décimo (MCF, Orléans) : « Marcel Duchamp et l'érotisme : du mot à l'oeuvre ».
Saisons de Christian Prigent [Publication]
Olivier Penot-Lacassagne
Christian Prigent, quatre temps. Rencontre avec Bénédicte Gorrillot. Argol éditions, coll. « Les Singuliers », 2009, 270 p. EAN : 9782915978452.
Né en Bretagne en 1945, co-fondateur et animateur de la revue TXT, Christian Prigent poursuit avec exigence, depuis plus de quarante ans, une traversée du « faux », de « l’inerte », de l’ « hostile », pour poser livre après livre (une cinquantaine à ce jour) « une voix à peu près juste » (p. 89).
Plusieurs entretiens avec Bénédicte Gorrillot forment la matière des quatre chapitres (D’où ça vient, Comment c’est apparu, Comment c’est fait, De quoi ça parle) d’un ouvrage qui vient de paraître aux éditions Argol, richement illustré d’inédits, de documents, de brouillons, de photographies et de lettres. Suivant le cours des questions qui lui sont posées, Christian Prigent y évoque ou rappelle les moments d’une œuvre singulière, dite d’avant-garde quand le mot était encore d’usage. Moderne avec et contre les Modernes, il y aborde et approfondit ses saillances, ses territoires, ses mouvements et ses déplacements.
« Plusieurs bibliothèques » nourrissent l’écriture de Prigent. : bibliothèque affective, ouvrante et inspirante des avant-gardes des XIXe et XXe siècles (Rimbaud, Ponge, Denis Roche, Joyce, Artaud et beaucoup d’autres) ; bibliothèque classique, pour une « mémoire de longue portée », où se rangent les Antiques et les Anciens (Hésiode, Homère, Virgile, Lucrèce, Chrétien, Rabelais…). Sans doute d’un auteur à l’autre des « différences d’intensité » s’exercent-elles ; mais toujours se noue un dialogue, éphémère ou durable, et le désir pour l’auteur de Ceux qui merdRent de les réécrire dans ses propres écrits.
Une certaine conception de la littérature et du travail d’écriture s’est affermie à la lecture de ces textes « irréguliers », quoique impeccables. Leur « frappe stylistique », leur « forme », leur «lexique », leur « phrasé », leur « syntaxe » ont obligé Prigent à réapprendre à « lire » pour mieux entrer dans l’énigme de leur fabrique et trouver sa propre langue. Les interrogeant au plus près, son écriture n’a depuis lors cessé de les « ré-enfanter », de « les rendre à l’inquiétude de la vie ».
Aussi nous faut-il reconsidérer avec lui la notion d’avant-garde et la débarrasser des facilités qui l’encombrent. Le mot, par trop utilisé, était alourdi de préjugés, positifs ou négatifs. Prigent le formule à nouveau pour en souligner la rigueur et l’ampleur. « Dire des avant-gardes du XXe siècle que leur idéal était de faire table rase des valeurs artistiques anciennes pour ne supporter qu’une modernité radicalement sui generis (sans généalogie) et absolument autonome (sans parentèle), c’est répéter un cliché polémique et perpétrer paresseusement une contre-vérité » , affirme-t-il (pp. 16-17). A la fois iconoclaste et fondatrice, la passion avant-gardiste invente donc et réinvente, au-delà de « l’immédiate précipitation moderniste ». Elle est la recherche et l’expression d’une langue « envers et contre tout vivante », inscrite dans la longue portée du temps. Écrire est alors un geste de « dé-familiarisation » : s’y défont les lieux communs de la reconnaissance et de l’appartenance familiales, qu’ils soient biographiques ou livresques.
Le lancement de la revue TXT, en 1969, ouvre pour Prigent et ses amis (Steinmetz, Verheggen, Clémens, Boutibonnes ou encore Le Pillouër) une longue période d’expérimentations formelles et de débats intellectuels et esthétiques. Dans la proximité de Tel Quel, « du même côté du passé et de l’avenir » (Sollers), est menée individuellement et collectivement une offensive poétique et tracée une ligne de démarcation politique nette et coupante. L’histoire de cette aventure avant-gardiste, avec ses inventions, ses égarements et ses exaltations, est en partie connue. Sans jamais souscrire à l’embellissement nostalgique, sans craindre d’avouer les errances du moment, Prigent en a souvent rendu compte, soulignant ici et là l’effort de résistance à un certain état de la pensée et la volonté de refonder les critères de « modernité » et de « nouveau » que cette posture impliquait. Plusieurs livres paraîtront durant ces années de « langagement » (Verheggen) : Power/powder en 1977, Œuf-glotte en 1979, Peep-Show en 1984. Long moment de formation et de déformation, soutenu d’abord par l’éditeur Christian Bourgois, puis par P.O.L. « Mes écrits ont mis beaucoup de temps avant de trouver quelque chose qui soit leur langue, observe Prigent. Il m’a fallu sortir de la bouillie fade de la poésie que j’étais spontanément enclin à faire ; traverser, difficultueusement, beaucoup d’influences très prégnantes, qu’elles soient formelles (les surréalistes, puis les poètes beat, puis Artaud, puis Denis Roche, etc.) ou intellectuelle (Bataille, Ponge) ; estomper le volontarisme maniériste et apaiser les crispations théoricistes de ma période “ avant-gardiste de l’extrême ” […]. Dépouillement d’ailleurs jamais fini, formation toujours à faire, déformation toujours à radicaliser. » (p. 112)
Ainsi s’est formée la figure d’un « auteur » (« l’ôteur »), dans l’accomplissement de ce mouvement de dissolution et à son échéance toujours différée. Livres de poésie, essais et fictions : l’écriture de Christian Prigent n’a rien cédé à la demande institutionnelle, mercantile ou mondaine de « lisibilité ». Le troisième entretien expose donc l’émergence de cette figure dépouillée, qui ôte plus qu’elle n’augmente, et la fabrique de sa langue : transformation d’énoncés, glissement d’une matière écrite à une autre par des opérations de transposition formelle (anagrammatique, homophonique, paronomastique), manipulations verbales (prélèvement, détournement, cut-up, recyclage d’énoncés politiques, éthiques, pornographiques ou publicitaires). Car le débat est « dans la langue », une langue déformée, peu à peu « défigurée », pour qu’adviennent d’autres formes, libres et vivantes. Suspens de la visibilité, défaite de la lisibilité frontale : il ne s’agit pas ici de surenchère provocatrice ou paroxystique (aller « plus loin », faire « pire ») ; il s’agit d’attenter à l’aliénation et à la fadeur de la langue commune pour faire parler, dans cette langue, « une autre langue qui soit si hétérogène, si polysémique, si sensuellement rythmée, à l’occasion si savamment obscure, à d’autres si délibérément infantilisée, qu’elle gonfle comme une tumeur de vie anarchique dans le cadavre de la langue normée. » (p. 172)
Nous pourrions avancer — l’objection est facile — que ces « attentats » sont datés, voire périmés. Au contraire, remarque Prigent, la recherche et la sensation d’une langue vivante ne peuvent être assignées à des pratiques d’époque. Il n’y a pas d’écriture véritable sans ce « chant négatif », et la promesse d’une refondation. Affronter cette « intenable articulation » est l’impératif auquel Prigent s’est soumis. Cet impératif, il ne lui a pas suffi de le reconnaître et de le dire. Il fallait qu’il « opère » : « que sa puissance d’égarement et de coupure creuse l’écrit, le déforme et le rythme » (p. 187).
Si dans la langue il y a plusieurs langues, dans la voix aussi il y a plusieurs voix. Les « lectures publiques » de Christian Prigent, depuis près de trente ans, ont imposé la figure du poète que nous connaissons. Mais ces lectures, certes appuyées sur un texte déjà écrit, ne se réduisent pas à « une médiation vocale de ce texte ». Elles le tirent bien plutôt vers « quelque chose » qui est en lui, traces d’oralité implicite saisies dans la « performance » orale. Ouvert sur un autre espace, il nous rend attentifs au brusque éclat de sa polyphonie.
Il arrive ainsi que la « justesse » d’une phrase et de son phrasé bouscule les normes esthétiques et soustrait le poème à la compréhension immédiate. Résistance salutaire dont ce livre d’entretiens remonte avec bonheur et souplesse le long cours, conclu par ces mots : « Je n’aurais jamais rien écrit si écrire ne m’avait pas, parfois, donné la sensation d’effectuer ce geste d’arrachement heureux. »
par Olivier Penot-Lacassagne
Publié sur Acta le 19 avril 2009
Olivier Penot-Lacassagne , "Saisons de Christian Prigent", Acta Fabula, Notes de lecture, URL : http://www.fabula.org/revue/document5002.php
[Publication] Suzanne l’aimée de Césaire
Dissidence. «Le Grand Camouflage», recueil d’essais poético-politiques de la femme de l’écrivain martiniquais.
Suzanne Césaire Le Grand Camouflage. Ecrits de dissidence (1941/1945) Seuil, 130 pp., 14 euros, à paraître le 7 mai.
Un jour d’avril 1941, dans la forêt d’Absalon, près de la montagne Pelée à la Martinique. Dans l’exubérance de la végétation tropicale, il fait chaud, humide, une femme avec un panier sur la tête croise un groupe de promeneurs. Il y a là Aimé Césaire et sa femme Suzanne, René Ménil, André Breton, sa femme Jacqueline Lamba et leur fille Aube, André Masson, Wifredo Lam et sa femme Helena. Quelques années plus tard, chacun d’entre eux réalisera que le cours de sa vie a été modifié ce jour-là.
Tout commence quand un bateau faisant route pour New York et transportant des dizaines d’exilés (dont Claude Lévi-Strauss, Anna Seghers, Wifredo Lam, André Breton…) fait escale en Martinique. Breton, qui cherche un ruban pour la petite Aube, entre dans une mercerie de Fort-de-France, il tombe sur la revue Tropiques et y lit des poèmes qui le bouleversent. Il demande à rencontrer son auteur, Aimé Césaire. La mercière, qui se trouve être la sœur du philosophe René Ménil, un des cofondateurs de la revue avec Aimé Césaire et sa femme Suzanne, met tout le monde en contact. C’est le début d’un réseau d’amitiés croisées et d’influences artistiques étonnamment fécondes.
«Le grand camouflage», l’essai qui donne son nom au livre rassemblé par l’écrivain Daniel Maximin, a été écrit par Suzanne Césaire en 1945, c’est un écho de cette journée, un texte poético-politique d’une grande énergie, à la fois lyrique et ancré dans la géographie et l’anthropologie de la Martinique. Daniel Maximin dit que c’est peut-être «le plus lumineux et le plus grand texte sur l’identité antillaise, avec Peau noire, masques blancs de Frantz Fanon».
«Homme-plante». «Le grand camouflage» est un des sept essais écrits par Suzanne Césaire, tous dans Tropiques, la revue littéraire la plus importante des Antilles, publiée entre 1941 et 1945. Ils se moquent du doudouisme littéraire, parlent de poésie, des racines africaines des Antilles, des paysages, de «l’homme-plante», une image qu’on retrouvera dans la poésie très naturaliste d’Aimé, mais aussi dans les tableaux de Masson et de Wifredo Lam, devenu l’ami intime du couple. Ils mettent les Antilles sur la carte de la modernité littéraire et politique.
En plus des textes de Suzanne Césaire, le Grand Camouflage contient des textes de Ménil, Masson, Breton, Aimé Césaire, tous liés à la forêt d’Absalon. (Autres retombées de cette journée, non visibles dans le livre : certaines des toiles de Masson et de Wifredo Lam, et sans doute aussi le divorce des Breton, après lequel Jacqueline deviendra peintre).
De fait, l’expérience a été très forte, presque violente. «Nous croyons pouvoir nous abandonner impunément à la forêt et voilà tout à coup que ses méandres nous obsèdent : sortirons-nous de ce vert labyrinthe, ne serions-nous pas aux Portes Paniques ?» écrivent Breton et Masson dans le Dialogue créole (publié en 1942 à Buenos Aires). «Cependant, les balisiers d’Absalon saignent sur les gouffres et la beauté du paysage tropical monte à la tête des poètes qui passent […]. Ici, les poètes sentent chavirer leur tête», répond Suzanne dans un texte de 1945. La tête des poètes chavire aussi à cause de Suzanne. Breton en tout cas l’a trouvée «belle comme la flamme du punch» et lui a dédié plusieurs textes.
En dehors de ces sept essais, Suzanne a écrit une pièce, Youma, aurore de la liberté, qui a été jouée à Fort-de-France au début des années 50, mais le texte a été perdu. Emile Capgras, ex-président du conseil régional de Martinique, a été un des jeunes acteurs de la pièce, mais il a perdu le texte depuis très longtemps.
Après cette pièce, plus rien, Suzanne n’a plus jamais écrit, et c’est une énigme. Comment une femme qui entre 25 et 30 ans a écrit des textes aussi forts a-t-elle pu s’arrêter définitivement ? Qu’est-ce qui fait qu’une femme s’arrête ? Il faut chercher dans ce qu’on sait de sa vie.
«Pieds gauches». Suzanne est née en 1915 dans une famille de la petite-bourgeoisie mulâtre, sa mère est institutrice. Après l’école communale à Rivière-Salée et le pensionnat de jeunes filles à Fort-de-France, elle part faire des études de lettres à Toulouse, puis à Paris. C’est là qu’elle rencontre un groupe d’amis, parmi lesquels l’écrivain guyanais Léon-Gontran Damas, la comédienne Jenny Alpha (qui s’extasie encore aujourd’hui sur l’intelligence de Suzanne), Gerty Archimède (la future députée communiste de Guadeloupe) et Léopold Sédar Senghor, qui lui présente Césaire.
Les photos de l’époque, comme celles qui seront prises plus tard, montrent une jeune fille à la beauté solaire, les cheveux nattés ou en chignon, les yeux brun clair, entre inquiétude et sérénité. Le groupe d’amis se retrouvait pour aller au théâtre ou aux concerts de Duke Ellington, pour danser aussi, même si Suzanne disait que, pour ça, Aimé avait «deux pieds gauches». Cela ne l’a pas empêchée de l’épouser. Pour leur mariage, à la mairie du XIVe en 1937, elle portait un tailleur rouge feu. Suzanne est là quand Aimé écrit en 1939, à 26 ans, son chef-d’œuvre, Cahier d’un retour au pays natal, c’est sans doute grâce à elle qu’il est allé au bout.
Chassés de Paris par la guerre, les Césaire repartent à Fort-de-France. Ils enseignent au lycée Schoelcher et font des enfants : le quatrième naît en 1942, il y en aura six en tout. Quand ils créent la revue Tropiques, qui sort malgré la censure vichyste, entre 1941 et 1943, ils ont bien le sentiment de participer à une internationale antifasciste. Dans une Martinique sous gouverneur désigné par Vichy, ils écrivent : «Il n’est plus temps de parasiter le monde […]. C’est de le sauver qu’il s’agit. Il est temps de se ceindre les reins comme un vaillant homme. Où que nous regardions, l’ombre gagne […]. Pourtant, nous sommes de ceux qui disent non à l’ombre.» Suzanne et Aimé sont dans le même élan politique et littéraire. Suzanne écrit. Ni ses enfants en bas âge ni son métier de professeur ne l'arrêtent.
Après la guerre, Césaire est élu maire de Fort-de-France, puis député de la Martinique, toute la famille part en métropole. Ils habitent rue de l’Odéon à Paris, puis au Petit-Clamart en banlieue, ils retournent deux ans à Fort-de-France et reviennent porte Brancion à Paris. Suzanne n’écrit plus. Mais elle a alors six enfants, qu’elle élève à moitié seule puisqu’Aimé est en Martinique une bonne partie du temps. Elle a aussi repris un poste de professeur, sa fille Ina se souvient - elle l’a écrit à Daniel Maximin, qui nous l’a rapporté - que ses élèves l’appelaient «la Panthère noire» et qu’elle corrigeait ses copies en fumant des Royal Navy dans la villa Week-End du Petit-Clamart. Ina se souvient aussi de ses robes et de son ensemble Tricosa, elle ne mettait de pantalon que pendant les vacances. Elle se souvient des «cheveux électriques qu’elle aimait déployer pour nous amuser», de ses «mains effilées de pianiste sans piano, / Laissant se consumer entre ses doigts fuselés / La fumée bleue de sa cigarette anglaise interdite».Elle se souvient d’une mère qui «chante faux et aime chanter, malgré les moqueries de ses enfants («Tous aux abris»)», et d’une «médiocre cuisinière avec une exception : la brioche du dimanche matin».
Bol de chocolat. Suzanne était aussi une militante féministe et politique «enthousiaste», qui inventait le soir pour les enfants des contes petit à petit remplacés par des récits réels. «J’avais 11 ans, et j’ai pleuré lors de l’exécution de Julius et Ethel Rosenberg», dit Ina. Le dimanche matin, Suzanne laissait les enfants seuls devant leur bol de chocolat pour aller vendre l’Huma au marché du Petit-Clamart.
L’écrivain haïtien René Depestre qui fréquentait la famille à l’époque se souvient que Suzanne était toujours très présente dans les débats. Ina décrit sa parole«à la fois aisée et fluide, parfois acerbe, souvent ironique». Elle n’écrivait plus, mais elle restait une partenaire, pas une muse, pour Aimé. Peu avant sa mort, il y a un an, le poète disait encore : «On respirait ensemble, avec la foi dans l’avenir.» Et cela même si Suzanne avait fini par le quitter en 1963 (à 48 ans), même si elle avait eu une histoire d’amour avec un autre homme, jusqu’à ce qu’une tumeur du cerveau l’emporte le 16 mai 1966. De cet homme, on ne sait rien, sauf qu’il est longtemps allé fleurir la tombe de Suzanne, en Martinique. Daniel Maximin affirme que c’est de Suzanne qu’Aimé parle dans un de ses derniers poèmes. «Je la vois qui bat des paupières / Histoire de m’avertir qu’elle comprend mes signaux / Qui sont d’ailleurs en détresse des chutes de soleil très ancien. / Les siens je crois bien être le seul à les capter encore.»
Ina se souvient aussi que sa mère lui disait : «Ta génération sera celle des femmes qui choisissent.» Est-ce que ça veut dire qu’elle-même aurait fait d’autres choix ?
Le 7 mai, au musée Dapper (75016) sera présenté le Grand camouflage. Le 10 mai, Journée Suzanne Césaire au parc de la Villette (75019).
Source : http://www.liberation.fr/livres/0101563563-suzanne-l-aimee-de-cesaire
[Publication, à paraître] Dalí et le dynamisme des formes
Dalí et le dynamisme des formes – L’élaboration de l’activité « paranoïaque-critique » dans le contexte socioculturel des années 1920-1930
Astrid Ruffa
Préface de Myriam Watthee-Delmotte.
2009 (juin)
édition française
17 x 20 cm (broché)
592 pages (32 ill. n&b)
27 €
ISBN : 987-2-84066-327-0
EAN : 9872840663270
Virtuose dans l'art du camouflage, Dalí nous a légué une œuvre « iceberg », comme il s'est plu lui-même à la définir. Vingt ans après la disparition de l'artiste catalan, sa production reste déroutante et en partie ignorée, offrant un champ d'exploration riche à ceux qui tentent l'aventure.
Par un parcours vivifiant et novateur à travers les écrits et les tableaux surréalistes de Dalí, considérés sous l'angle de l'histoire culturelle, l'ouvrage fait ressortir la figure d'un créateur-stratège qui, assimilant de manière originale les savoirs les plus variés, développe au tournant des années 1930 un projet éthique et esthétique cohérent : s'inspirant des images-devinettes, de la production des fous, des théories psychologiques sur la paranoïa, de la photographie ou encore des théories de la relativité d'Einstein, Dalí élabore une méthode créative à laquelle il sera fidèle tout au long de sa vie et qui trouve un écho auprès de ses contemporains. L'influence des vues de Dalí sur Breton et les surréalistes est repensée, ainsi que la valeur cognitive d'une œuvre rigoureuse et foisonnante à la fois.
On trouvera une publication et quelques pages de l’ouvrage sur le site :
http://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=1373&menu=%EF%BF%BD
Luna Park #5 [Publication]
On trouvera en pièce jointe le sommaire du nouveau volume de Luna Park, dirigé par Marc Dachy.
[Chronique d’exposition] Futurisme Scuderie del Quirinale (Rome)
Du 20 février au 24 mai 2009
La grande exposition internationale sur le futurisme organisée conjointement par le Centre Pompidou, la Tate Modern de Londres et l'Azienda speciale Palaexpo de Rome, à l'occasion du centenaire du Manifeste futuriste de Marinetti qui lança et théorisa le mouvement, voyage selon un axe Paris-Rome-Londres en connaissant une novation à chaque étape dans la mesure où le commissaire sera différent et présentera une approche spécifique.
A Paris, l'exposition intitulée "Le futurisme à Paris - Une avant-garde explosive" conçue par Didier Ottinger privilégiait une approche rétrospective à partir de l'exposition "Les peintres futuristes italiens" qui s'était tenue à Paris en 1912 pour présenter notamment un parcours thématique regroupant les toiles selon les différentes déclinaisons du mouvement.
A Rome, pour concevoir l'exposition "Futurismo - Avanguardia-Avanguardie" qui se tient à la Scuderie del Quirinale, la commissaire Ester Coen, professeur d'art à l'Université de Rome et critique d'art, a privilégié une approche centrée sur le début du futurisme et les peintres fondateurs, ceux du premier groupe futuriste, qui initièrent un mouvement d'avant garde d'importance et d'influence internationales, et ses liens étroits avec le cubisme.
Dans une scénographie épurée élaborée par Daniela Picconi, la monstration italienne s’articule en deux volets qui s’accommodent bien de la répartition, sur deux niveaux, des salles d’exposition du lieu.
L’exposition commence par la présentation des fondamentaux du Futurisme, ses prémisses et ses lignes de force sur des cimaises gris métallisé avec un original double éclairage.
A l‘étage, elle aborde le futurisme in situ dans son époque, dans une installation white cube scandée par des sculptures, avec ses correspondances et ses oppositions, avant-garde chef de file des autres avant-gardes d’où le titre de l’exposition.
Peindre la sensation dynamique
En 1910, dans la foulée de la naissance du Futurisme mis au monde par Marinetti, déclaration de guerre contre la tradition et l’académisme pour célébrer l’avènement du progrès, de la technique et du mouvement qui devait révolutionner la vie et l'homme du siècle nouveau, quatre peintres italiens, Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carra et Luigi Russolo en tirent les conséquences sur la perception de la temporalité et de la représentation du monde en signant le manifeste des peintres futuristes.
La vision picturale est plus que jamais placée sous le signe de la lumière mais d’une lumière nouvelle et différente du fait de la fée électricité.
Elle exacerbe la luminosité, modifie le rapport de la lumière avec son contraire, l’ombre, bouleverse le regard et les couleurs investies d’un symbolisme nouveau.
De même pour la vitesse introduite avec les machines nouvelles qui engendre une vision des choses et impacte sur la composition picturale dans laquelle s’insère un état mental effet de l’émergence des sciences psychiques (Umberto Boccioni "La risata", "Visioni simultanee").
Le futurisme c’est aussi un état d’esprit, une façon nouvelle de percevoir le monde, et d'être au monde, qui ne peut plus être contemplatif mais dynamique (Gino Severini "La danza de pan-pan", Luigi Russolo "La rivolta").
"La simultanéité des états d'âme dans l'oeuvre d'art : voilà le but envivrant de l'art" proclament-ils.
Au deuxième niveau, face à la tridimensionnalité et à la fusion spatiale dans la forme et la lumière prônée par les futuristes (Umberto Boccioni "Antigrazioso", "Dinasmismo di un corpo umano"), un autre mouvement majeur, le cubisme et son vocabulaire analytique, initié par Braque et Picasso, résiste.
Le futurisme originel se décline différemment selon les pays avec l’orphisme français, qui conjugue plasticisme et sensibilité, (Raymond Duchamp-Villon "Il grande cavallo", Sonia Delaunay "Contrasti simultanei", Robert Delaunay "Forme circulare-sole n°2", Frantisek Kupka "Complimenti", "La primitiva"), le cubofuturisme en Russie avec notamment Kasimir Malevitch Ljubov Popova, le vorticisme en Angleterre avec Percy Wyndham Lewis et Christopher Richard Wynne.
En 1914, la première guerre mondiale ramènera à une réalité plus tragique.
En savoir plus :
Le site officiel de la Scuderie del Quirinale
Source : http://www.froggydelight.com/article-6952-Futurismo_Avanguardia_Avanguardie
On lira également l’article sur http://www.froggydelight.com/article-6933-Futurismo_Manifesto_100x100.html
Tate Modern – Bankside - Londres SE1 – www.tate.org.uk
17 juin 2009 – 6septembre 2009
Marché de la poésie : Héritages du surréalisme [Manifestation, Canada]
Le Marché de la poésie fête ses 10 ans
Chantal Guy
La Presse
Le Marché de la poésie de Montréal est l'occasion rêvée pour le public de découvrir, live, le coeur battant du monde littéraire québécois, peut-être plus que tout autre événement du genre à Montréal. Pratiquement tout ce qui s'agite de bon dans cet univers s'y trouve réuni, et les étals présentent, bon an, mal an, une abondante récolte de bons et beaux fruits...
C'est sur le thème Héritages du surréalisme que le Marché soulignera sa 10e année, avec une programmation de qualité, comme à son habitude. Une centaine de poètes - avec en tête les invités d'honneur Yolande Villemaire et Paul-Marie Lapointe - ainsi que 70 maisons d'édition participeront à la trentaine d'activités prévues par le Marché, dont le quartier général est la place Gérald-Godin (métro Mont-Royal). Des activités très variées: spectacles, cabarets littéraires, conférences, lectures, exposition, cinéma et «visite guidée du Plateau poétique»...
Notons parmi celles-ci le spectacle-hommage à Paul-Marie Lapointe L'espace de vivre, de Marcel Pomerlo, un petit salon de coiffure-poésie (!) à la place Gérald-Godin, le Cabaret Erlenmeyer produit par Les filles électriques à la maison de la culture du Plateau-Mont-Royal, le spectacle La chambre de l'oubli, de Paul Savoie (inspiré de la belle trilogie de Lino), le Cabaret Poètes de brousse au Quai des brumes, ainsi que le Cabaret Rodrigol Surréalisme Action 2000 animé par les abdigradationnistes à la place Gérald-Godin. Surréalisme Action 2000? Serait-ce que les poètes sont les superhéros d'aujourd'hui?
Le Marché de la poésie de Montréal, du 28 au 31 mai 2009, au chapiteau de la place Gérald-Godin (métro Mont-Royal). La programmation complète au www.maisondelapoesie.qc.ca
Source : http://www.cyberpresse.ca/arts/livres/200905/15/01-856806-le-marche-de-la-poesie-fete-ses-10-ans.php
Autour de Dada [Tourcoing]
Samedi 16 mai, de 14 h à minuit. Go Dada Go, parcours danse, musique, dégustation... Autour des expositions « Dada East ? contextes roumains du dadaïsme », jusqu'au 12 juillet. Robert Devriendt : peintures et scénarios, jusqu'au 15 juin.
Dégustation... autour de Dada, Séverine Lengagne, Les mets à la bouche de 15 h à 22 h. Au musée des Beaux-Arts, 2, rue Paul-Doumer, tél. 03 20 28 91 60. Entrée libre.
Source : http://www.lavoixdunord.fr/Locales/Tourcoing/actualite/Secteur_Tourcoing/2009/05/14/article_retrouvez-cette-rubrique-sur-www-lavoixd.shtml
Cinquante oeuvres de Miró exposées cet été
Pour Pascal Bureau, adjoint à la culture, un lien fort doit être établi entre le patrimoine « figé » et l'art contemporain. (photo titia carrizey-jasick)
Pour Pascal Bureau, adjoint à la culture, un lien fort doit être établi entre le patrimoine « figé » et l'art contemporain. (photo titia carrizey-jasick)
Après avoir créé l'événement ces deux dernières années en offrant les cimaises de l'Ancien évêché aux oeuvres de Giacometti puis aux photographies emblématiques de Jeanloup Sieff, la Ville de Sarlat récidive cette saison dans le très haut de gamme, pour consacrer son exposition estivale à un artiste majeur du surréalisme et de l'art moderne, Juan Miró.
Une exposition qui, durant deux mois, du 15 juin au 15 août, présentera 50 lithographies et eaux-fortes réalisées de 1960 à 1980, dont l'expression des couleurs comme le graphisme révèlent la puissance créatrice et l'énergie de l'artiste espagnol, décédé en 1983 à l'âge de 90 ans.
Un triptyque culturel
Un rendez-vous en lui-même un peu surréaliste en dehors des grandes métropoles, qui frappe « un grand coup » dans l'agenda culturel périgourdin, et dont l'existence est liée, comme pour Giacometti, à une histoire d'amitié.
À l'origine donc, les liens amicaux qui unissent Jean-Jacques de Peretti, maire de la cité, avec Yoyo Maeght, la petite fille d'Aimé Maeght, ce visionnaire audacieux, marchand d'art, ami de Miró et créateur des galeries et de la fondation qui porte le nom de la famille pour réunir l'une des plus prestigieuses collections privées d'art moderne et contemporain en Europe. « Miró, j'adore ! », applaudit sans condition Pascal Bureau, adjoint au maire délégué à la culture. « C'est poétique et compréhensible, et ici économiquement à la portée de tous, avec une entrée à 3 euros pour les adultes et gratuite pour les moins de 18 ans. D'ailleurs, cela va tout à fait dans le sens de notre politique culturelle pour la ville, au sein de laquelle nous voulons mettre en exergue un triptyque à la portée ambitieuse. Tout d'abord en créant un vrai contraste entre le patrimoine "pierre" séculaire et l'art contemporain. D'autre part en plaçant ce dernier - au travers de dépôt-vente d'oeuvres - auprès de la centaine de restaurants et de brasseries de Sarlat, tout en tirant leur niveau général vers le haut. La gastronomie, c'est aussi de l'art et des espaces valorisants, au même titre que les 30 galeries présentes ici. Il me paraît évident de lier ces trois secteurs. »
Une sécurité renforcée
Au regard de la réelle valeur financière de cette exposition une nouvelle fois hors norme, avec un artiste à l'aura planétaire et de grands formats pour ce genre d'exercice pictural, la municipalité peut compter sur un dispositif de sécurité adéquat.
Les 50 lithographies et eaux-fortes arriveront quelques jours avant l'accrochage en toute discrétion, et les locaux de l'Ancien évêché sont d'ores et déjà sécurisés avec une alarme volumétrique directement reliée aux différents services de surveillance et d'intervention.
Un système déjà mis en place pour les dernières manifestations estivales, mais assorti pour l'occasion, du fait de l'ampleur artistique et de la cote de l'artiste, d'un contrat d'assurance spécial. D'autre part, les codes d'accès seront très régulièrement reprogrammés durant les deux mois de l'événement.
Tout est prêt en attendant le vernissage... Un jour très attendu par les esthètes comme par les amateurs, en sachant que l'affiche devrait attirer les visiteurs en nombre pour cette exposition, qui occupera les trois salles du premier étage du bâtiment. Ils ne devraient pas être déçus et pourront in situ faire l'acquisition de reproductions, livres, DVD ou cartes postales, pour ramener à la maison un peu de l'esprit de Miró.
Auteur : Titia Carrizey-Jasick
Source : http://www.sudouest.com/dordogne/actualite/sarlat/article/587745/mil/4522448.html
[Représentation] Tarbes. Un « Jules César » très surréaliste
DDM
« L'histoire nocive de Jules César ». Voilà un titre quelque peu déconcertant. Pire, il n'a rien à voir avec le grand Julius, auteur de la « Guerre des Gaules ». Vraiment rien du tout, puisque, dans cette pièce où deux jumeaux viennent de naître dans un village de montagne, c'est une vieille nourrice de couleur qui porte le nom du fameux général et homme politique romain.
Vous avez dit surréaliste ? Assurément puisque Spirale 8, la compagnie toulousaine en résidence au Pari depuis trois semaines, s'est inspirée du conte « Jules César », de la poétesse surréaliste Joyce Mansour, pour monter un spectacle qui plonge le public dans une atmosphère onirique et trouble : « Les conventions rationnelles sont abolies et la censure morale laisse la place aux singularités et aux désirs profonds de chacun ».
Assistante mise en scène, Bénédicte Rossignol rappelle que ce texte avait été remarqué par André Breton. Il se singularise par son étrangeté « dans un ton caustique et provocateur à travers un humour noir et parfois féroce ». Samedi, de 14 heures à 16 heures, des Tarbais ont pu assister gratuitement à la répétition publique du spectacle. Qui sera donné du mercredi 22 au samedi 25 avril, à 20 h 30, et le dimanche 26 avril, à 16 heures, au Pari. Dans un décor dépouillé, une grande force poétique traverse cette histoire farfelue.
Source : http://www.ladepeche.fr/article/2009/04/20/594338-Tarbes-Un-Jules-Cesar-tres-surrealiste.html
Benjamin Péret [article en espagnol]
On lira un article, en espagnol, qui lui est consacré à l’occasion du cinquantenaire de sa disparition.
http://www.elnuevoherald.com/galeria/artes/story/445659.html
Eddie Breui
mercredi 20 mai 2009 15:26
préparation d'un "cahier René Alleau"
Bonjour à tous,
Je signale aux personnes susceptibles de nous aider que nous préparons pour la revue "La Soeur de l'ange" n° 7 (Hermann) un petit dossier
au sujet de René Alleau. Textes à réunir pour le mois de septembre.
Si vous êtes intéressé par la publication d'une étude ou d'un document, témoignage, merci de prendre contact avec M. Jean-Luc Moreau
moro_jl@club-internet.fr.
Merci.
Marc Kober
vendredi 22 mai 2009 10:36
Manifeste manuscrit
Chers Mélusines, chers Mélusins,
vous vous souvenez certainement de la vente aux enchères, chez Sotheby's à Paris, du manuscrit du Manifeste du surréalisme. Il est désormais visible (et même consultable sur écran pour les chercheurs), avec celui de Poisson soluble et d'autres pièces autographes d'André Breton, au Musée des Lettres et Manuscrits, 8 rue de Nesle, 75006 à Paris.
Le même musée annonce une exposition « Saint-Germain-des-Prés : L’écume des années Vian », du 29 mai au 28 octobre 2009.
"Âge d’or de Saint-Germain-des-Prés, les années 1945-1952 voient surgir la plupart des talents et des idées qui marqueront les trente années à venir. Véritable creuset de la création en devenir, Saint-Germain-des-Prés s’impose alors comme le quartier à la mode. Après Montmartre puis Montparnasse qui connurent dans le passé leurs heures de gloire, Saint-Germain-des-Prés dans l’euphorie de la Libération s’enflamme au rythme des orchestres de jazz, du swing et des chansons à texte.
La jeunesse de l’époque retrouve et réinvente, après des années de privations, le goût de la fête dans les caves de Saint-Germain-des-Prés : le Tabou, la Rose Rouge, le Club Saint-Germain… autant de cabarets qui évoquent, selon Sartre lui-même, « une aventure extraordinaire », unique dans la vie culturelle française. Dans ce foisonnement d’idées philosophiques, littéraires, artistiques… apparaissent et s’imposent de nouveaux noms : Sartre, Beauvoir, Prévert, Queneau, Beckett, Audiberti, Isou, Pomerand, Hugnet, Gréco… Figures qui seront largement présentes dans le cadre de cette exposition, autour de celle de Boris Vian, dont on célèbre en 2009 le 50e anniversaire de la disparition, et qui domina durant toutes ces années les scènes de Saint-Germain-des-Prés.
Correspondances, manuscrits littéraires, textes de chansons, dessins, photographies, coupures de presse, pochettes de disques… témoignent de l’effervescence qui régna sur la rive gauche au cours de l’immédiat après-guerre et où se côtoyèrent les principaux courants artistiques et littéraires de l’époque.
Brochure-catalogue de l’exposition (5€).
Du mardi au dimanche de 10h00 à 18h00.
Musée des Lettres et Manuscrits
8, rue Nesle – 75006 Paris. Tél./Fax : 01 40 51 02 25
Courriel : info@museedeslettres.fr
Site internet : http://www.museedeslettres.fr Bien cordialement,
Le modérateur
Henri Béhar
dimanche 24 mai 2009 12:15
semaine 21
• Dalí • Magritte • Jarry • …
[Désamorçage définitif] "Merdre !" Alfred Jarry et son Ubu entrent à la Comédie-Française
"Merdre !", aurait sans doute éructé l'auteur: le subversif Alfred Jarry (1873-1907), inspirateur de quelques avant-gardes culturelles du XXe siècle, et son "Ubu roi" vont entrer samedi soir au répertoire de la vénérable Comédie-Française.
Symbole de l'événement, cette "anti-pièce" sera donnée salle Richelieu jusqu'au 21 juillet, plus d'un siècle après sa création, dans une mise en scène signée par un grand nom du théâtre français depuis quatre décennies, Jean-Pierre Vincent, ancien patron de la Maison de Molière.
Une reprise du spectacle a déjà été programmée la saison prochaine (juin à juillet 2010) par l'actuel administrateur général du Français, Muriel Mayette, qui a voulu réparer une anomalie.
"Lors de la grande tournée en Europe de l'Est que nous venons d'effectuer, j'ai été sidérée de voir qu'+Ubu roi+ était joué partout, a-t-elle expliqué récemment à la presse. Or, à la Comédie-Française, ce sera une entrée au répertoire: c'est assez sidérant".
Ubuesque, même, tant son excentrique auteur, malgré la brièveté de sa carrière -- ce grand buveur d'absinthe est mort à 34 ans -- aura annoncé divers mouvements modernes: le surréalisme, le théâtre de la cruauté d'Antonin Artaud, celui de l'absurde d'Eugène Ionesco, l'invention lexicale d'un Boris Vian...
Qui est Père Ubu ? Il doit beaucoup à M. Hébert, professeur de physique au lycée de Rennes quand Jarry, natif de Laval, y est élève, entre 1888 et 1891. Les frères Morin, ses condisciples, se rient de l'enseignant dans "Les Polonais". Inventeur de la "pataphysique", Jarry tirera de cette blague de potaches une première version d'"Ubu" sous forme de comédie de marionnettes, et situera l'action de sa future pièce en Pologne, "c'est-à-dire nulle part".
"Ubu roi" est créé le 10 décembre 1896 à Paris, au théâtre de l'Oeuvre. Firmin Gémier, futur fondateur du Théâtre national populaire, incarne Père Ubu. Le titre de la pièce est un clin d'oeil à l'"Oedipe roi" de Sophocle, mais c'est Shakespeare que Jarry parodie. Comme dans "Macbeth", Ubu est un aspirant souverain minable poussé par sa femme vers le pouvoir: il l'exercera avec une tyrannie risible...
C'est peu de dire que la pièce est mal accueillie: dès le "Merdre" inaugural lancé par Père Ubu -- et répété ensuite à l'envi --, le texte fait scandale. Jules Renard écrit: "Si Jarry n'écrit pas demain qu'il s'est moqué de nous, il ne s'en relèvera pas". Jarry n'écrit rien de tel et répond au contraire par un article fameux, "De l'inutilité du théâtre au théâtre", où il affiche son rejet des conventions dramaturgiques de son temps.
"Ubu roi" ouvrira un cycle fécond ("Ubu cocu", "Ubu enchaîné", "Ubu sur la butte"...) mais ne sera porté à la scène que cinq fois jusqu'en 1950. Après Jean Vilar (1958) et Peter Brook (1977), Jean-Pierre Vincent aborde à son tour cette pièce réputée impossible à monter. "Un Ubu roi pour aujourd'hui", annonce-t-il en guise de note d'intention, en précisant: "Ce ne sont, hélas, pas les référents qui nous manquent".
Source : http://actus.mensup.fr/temps_libre/actualites_culture/37825/merdre_alfred_jarry_et_son_ubu_entrent_a_la_comedie_francaise.html
Le tournage d’un film sur Dalí, arrêté pour raisons "idéologiques"
La fondation Gala-Salvador Dalí, en charge de la gestion mondiale de l’ensemble des droits et de l’image de Salvador Dalí, s’oppose à la poursuite du tournage d’un film consacré à la vie de l’artiste. Les éléments gênants concernent la fin de vie du peintre surréaliste, décrite par le scénario comme une période mise à profit par son entourage pour exploiter son nom, alors que le peintre surréaliste était en pleine perte de ses facultés. Directement visée, la Fondation oppose ainsi son veto à cette interprétation, selon les déclarations, mercredi, au siège de l’UNU à New York, de l’acteur espagnol Antonio Banderas, désigné pour incarner le rôle principal du film. Ce long-métrage sobrement intitulé « Dalí », sur une base d’images réelles et d’animations numériques, est censé évoquer la puissance imaginative du peintre surréaliste, sur un scénario signé par le Britannique Jeremy Walters, pour une réalisation signée un autre Britannique, Simon West, déjà repéré sur « Lara Croft : Tomb Raider ». Dans l’attente d’une issue des négociations entre la Fondation Gala-Dalí et le scénariste, qui refuse toute intervention extérieure dans son travail, le tournage est bel et bien stoppé.
Source : http://www.la-clau.net/info/2444/le-tournage-dun-film-sur-dali-arrete-pour-raisons-ideologiques-2444
Articles sur Dalí
On trouvera deux publication sur Dalí en espagnol mises en ligne sur les sites suivants : "El encuentro de Foix y Dalí en las avenidas subterráneas del pre-sueño" (http://revistas.ucm.es/fsl/18855687/articulos/ESIM0707110113A.PDF) et
"La actividad poética de Salvador Dalí en relación con la controversia del automatismo" (http://www.raco.cat/index.php/Scriptura/article/view/95047).
Information communiquée par Vicent Santamaria
La dernière lettre de René Magritte
22.05.09 - 16:39 Jacques van Lennep est historien de l'art, Jacques Lennep est artiste. Sous deux noms différents, l'homme a rencontré l'oeuvre de René Magritte.
En 1967, Jacques van Lennep, historien de l'art fraîchement engagé aux Musées Royaux des Beaux-arts, propose une conférence sur un des tableaux de Magritte exposé au Musée, "L'homme du large". Il a bien sûr interviewé René Magritte pour étoffer son propos, et il a été plutôt bien reçu, parce que le maître ne jouait pas les monstres sacrés.
Mais l'originalité de sa conférence, le jeune historien de l'art la doit aux conversations qu'il a eu avec Marcel Lecomte, un des ses collègues, ami de Magritte, spécialiste du surréalisme et surtout féru d'alchimie et d'ésotérisme. En établissant un lien entre l'homme noir du tableau, et une citation d'André Breton "Osiris est un dieu noir", sa conférence va intéresser René Magritte, qui va prendre le temps de lui répondre, quelques mois avant sa mort.
Jacques van Lennep a conservé cette lettre dans laquelle Magritte revient longuement sur les principes de sa création, les images et le mystère.
Si Jacques Lennep l'artiste conceptuel n'a pas eu l'occasion de montrer son travail à René Magritte, il ne peut ignorer l'influence que son oeuvre a exercé sur lui, et les artistes de sa génération . Et en 1974, il lui rend hommage en réalisant un tableau qui s'appelle tout simplement "Une pipe".
En l'exposant un peu plus tard dans une vitrine aux alentours de la Gare du Nord, Lennep y ajoutera une dimension sémantique que Magritte n'avait sans doute pas imaginée en 1929. (F. Brumagne)
Source : http://www.rtbf.be/info/societe/culture/la-derniere-lettre-de-rene-magritte-110405
Le marché de la poésie sous le signe du surréalisme (Québec)
Surgi en France au début du XXe siècle, après la Première Guerre mondiale, le surréalisme a profondément marqué l'expression artistique à travers le monde. Si on dit officiellement qu'il s'est éteint en 1969, trois ans après la mort d'André Breton, les échos de ce mouvement, qui doit son nom à Guillaume Apollinaire, se font entendre encore aujourd'hui. Au point que le 10e Marché de la poésie de Montréal, qui se tiendra du 28 au 31 mai 2009, à la place Gérald-Godin, a décidé de prendre son héritage pour thème.
«La poésie québécoise a été marquée par le surréalisme», explique Claude Beausoleil, organisateur du colloque intitulé Héritages du surréalisme, qui donne le coup d'envoi au marché, à la Maison de la culture du Plateau Mont-Royal. Le Refus Global, par exemple, publié ici en 1948, est une des expressions de cette influence.
«Deux ans avant la publication du Refus Global, Thérèse Renaud publiait Les Sables du rêve, qui témoignait d'une influence surréaliste», raconte Claude Beausoleil. Thérèse Renaud était d'ailleurs la première femme, dans toute l'histoire du mouvement surréaliste, à signer un recueil de ce genre. L'influence du mouvement surréaliste a donc pris ici le nom d'automatisme, alors qu'au Mexique on parlait plutôt d'estridentisme, auquel participait Manuel Maple Arce, et en Russie, de futurisme.
Le Québec a cependant adapté l'influence surréaliste à sa propre réalité. Alors que les surréalistes français s'interrogeaient sur l'engagement politique, en se demandant s'ils devaient ou non adhérer au mouvement communiste, les automatistes québécois posaient la question de l'engagement politique envers l'indépendance du Québec, ajoute Beausoleil.
«Nous, on a toujours eu une interrogation politique. Même dans L'Âge de la parole, de Roland Giguère, qui est issu du surréalisme, il y a une question politique», dit-il.
Le surréalisme, donc, selon Claude Beausoleil, a été somme toute plus influent au Québec que le mouvement dada, par exemple.
«Le dadaïsme disait par exemple: "Fermons les musées!", alors que nous, on disait: "Essayons d'avoir un musée d'art contemporain" ou "On va essayer d'en avoir un avant de le fermer". On disait: "Essayons de trouver des galeries d'art: avant de péter les vitrines, on va ouvrir le magasin"», ajoute-t-il.
Une influence encore notable aujourd'hui
Plus de 60 ans après la publication du Refus Global, le surréalisme est de nouveau très présent dans l'oeuvre de plusieurs jeunes poètes, relève Claude Beausoleil. Il cite par exemple le recueil intitulé L'Éléphant, de David Jasmin Barrière, publié aux éditions de l'Hexagone, ou encore La Morte en beauté, de Danny Rhainds, aux éditions Poètes de Brousse. Il cite encore Dany Plourde. «Je ne sais pas s'il revendiquerait des influences surréalistes», dit-il, mais il y voit lui-même un certain héritage.
Le colloque «Héritages du surréalisme» s'adresse non seulement aux poètes et aux spécialistes du surréalisme, mais aussi au grand public. On y assistera notamment à une conférence de Gilles Lapointe, auteur du livre La Comète automatiste, publié chez Fides, qui a analysé les regards différents qu'ont posés André Breton et Paul-Émile Borduas sur différentes oeuvres. On s'y attardera aussi sur le travail de Gilles Hénault, qui a fondé en 1946 Les Cahiers de la file indienne avec Éloi de Grandmont. Peter Dubé y présentera pour sa part ses travaux sur le surréalisme et l'homophobie. Son essai, intitulé Madder Love et publié chez Rebel Satori Press, retrace en effet l'homophobie historique du surréalisme, notamment à travers des propos d'André Breton, pour étudier la production littéraire homosexuelle d'aujourd'hui. Francis Combes, éditeur du Temps des cerises, qui a notamment publié Éluard et Maïakovski, y abordera les questions du surréalisme et de l'engagement. C'est sans parler évidemment des nombreuses lectures qui s'y tiendront.
Les deux invités d'honneur du Marché de la poésie cette année sont les poètes Yolande Villemaire et Paul-Marie Lapointe. On présentera d'ailleurs un spectacle-hommage à ce dernier, intitulé L'Espace de vivre -- voyage et autres poèmes, mis en scène par Marcel Pomerlo, qui y figurera avec Sylvie Drapeau, Luc Bourgeois, Olivier Bourque et «des acteurs de la scène musicale actuelle». En plus des 70 maisons d'édition qui sont invitées au marché, de nombreuses projections de films, dont plusieurs portant sur le surréalisme, seront à l'affiche. On peut, pour plus d'information, consulter le site Internet www.maisondelapoesie.qc.ca.
Source : http://www.ledevoir.com/2009/05/23/251729.html
[Chronique d’exposition] L’énigme d’une journée de Giorgio de Chirico
Présentée jusqu'au 24 mai dans les salles du musée d'Art moderne de la ville de Paris, la très intrigante rétrospective consacrée à Giorgio de Chirico, 'La Fabrique des rêves' revient sur le parcours d'un maître de l'ambiguïté. Pièce maîtresse de son oeuvre, 'L'Enigme d'une journée' impose sa bizarrerie en recréant un monde qui semble remettre en cause l'existence même des hommes qui le peuplent.
Pourquoi le tableau apparemment tranquille de Giorgio de Chirico, 'L'Enigme d'une journée' éveille-t-il en nous un sentiment d'oppression ? Sur la place harmonieuse, paisible et opulente, le soleil déverse sans violence ses rayons. Aucun bruit ne vient perturber cette heure arrêtée. Mais justement : au bout du compte, trop de calme paraît suspect. Où est la vie ? Où sont les hommes ? Ce sont les deux minuscules silhouettes, situées au fond de ce cauchemar coloré, qui nous révèlent l'échelle en réalité monstrueuse de cette architecture. Sans elles, la tentation est grande de s'imaginer dans un autre monde, onirique, flottant, déserté. Or les silhouettes rappellent que l'humanité est bien là, mais broyée, presque oubliée. Les arcades antiques se reproduisent à l'infini, indépendantes. Des ombres inexplicables rôdent, sans raison apparente. Aucun mouvement ne vient troubler l'aspect pacifique de cette éternité pétrifiée. Les statues, mélancoliques, cherchent un horizon possible, comme si elles prenaient vie et dépassaient leurs créateurs. Ecrasées par le temps qui ne passe pas, par des pierres vides et un beau fixe menaçant, les silhouettes humaines se retrouvent impuissantes. L'homme va-t-il progressivement disparaître, recouvert par la lumière autoritaire, les édifices millénaires et l'étranglement d'un espace qui ne le regarde pas ?
Dans cette toile, acquise par André Breton en 1933, l'homme perd de son évidence. Son existence concrète est affirmée par le biais des figurines lointaines, mais elle est fragile voire insignifiante. S'agit-il d'hommes, de femmes, d'enfants ? On ne voit ni leur visage, ni leurs habits, ni même leurs gestes. En revanche, la civilisation dont est empreinte l'endroit - constructions raffinées, sculpture, cheminées industrielles - témoigne bien du passage de l'humanité. Aux antipodes d'un monde préhistorique, nous nous retrouvons donc dans un monde posthistorique. On ne distingue ni maisons, ni cafés, immeubles de bureau ou autres boutiques trahissant l'activité humaine. La ville n'est ni contemporaine ni ancienne, et semble difficilement habitable. Les arcades, trop grandes à gauche, rétrécissent l'espace supérieur, ne laissant aucune pièce possible dans la galerie. On ne compte qu'une seule fenêtre, et des croix pour marquer l'emplacement des autres, comme si elles avaient perdu leur utilité en cours de construction. Les deux tours rouges au fond n'ont pas davantage d'ouverture. Malgré tout cet espace, l'homme n'a nulle part où aller, et les seuls intérieurs disponibles sont fermés comme des prisons. La perspective fausse, plongeant vers un arrondi à droite accentue la sensation d'inconfort. On dirait le bord de la terre. Qu'y a-t-il après cette frontière ? L'ombre gagne progressivement l'espace, et l'amorce d'arcade à droite baignée dans l'obscurité est inquiétante. Les bords latéraux du tableau semblent être sur le point de se rapprocher et de comprimer les deux individus. Seul un petit drapeau désobéit à cette fixité et vole en sens contraire, au gré d'un vent invisible.
La statue, elle, tourne le dos aux silhouettes. Sa taille atteint presque la hauteur des arcades. La massivité générale et sans appel des contours, l'érection sévère des tours, l'ombre lourde compriment donc les deux fines figures qui marchent au lointain. Nous ne voyons ni leur regard, ni leur expression, quand on distingue nettement la main un peu élevée de la statue au premier plan, son manteau, ses cheveux. Comme doué d'une vie propre, l'homme sculpté détourne les yeux. Il semble parler, ou bien montrer quelque chose, mais nous ne le voyons que de profil. Où sommes-nous d'ailleurs qui regardons ce tableau ? La perspective reste indéterminée, dans une plongée impossible. Cette image au ciel plombé, presque de nuit, sans nuage mais arrosée de jaune, serait-elle dans notre cerveau ? Ce monde trop humain semble bien sorti d'un inconscient tourmenté. Comme dans un rêve pesant, on pourrait se situer après les hommes. Les constructions archéologiques renvoient à un passé immémorial, une époque révolue mais en suspension. Une population de héros et de dieux, pressentie. Aucune chair. Même la statue vise une absence. Selon Jean Clair, l'idée de métaphysique chez Chirico est associée à la solitude des signes. Chaque objet, chaque forme apparaît comme enfermé dans sa propre solitude. La solitude infinie d'une éternité fixe.
Source : http://www.evene.fr/arts/actualite/giorgio-de-chirico-fabrique-des-reves-1834.php
Musée Magritte - Bruxelles célèbre Magritte en lui consacrant un musée
Valérie Duponchelle
Le 2 juin prochain, le public découvrira à Bruxelles un musée entièrement dédié au peintre surréaliste. Un écrin technologique qui veut lui rendre gloire et lisibilité.
Même si, sur la photo géante, René Magritte vous accueille en fermant les yeux, comme le faisait à ses séances de Photomaton la petite bande farceuse des surréalistes parisiens, l'heure n'est pas au sommeil. Sur la place Royale de Bruxelles, ce serait plutôt le réveil, la prise de conscience, la relecture d'une histoire de l'art, le temps de la réflexion. Il y a un an encore, la collection de Magritte des Musées royaux des beaux-arts de Belgique dormait, en naufragée d'une autre époque, cérébrale et subversive, dans le dédale tristounet des salles souterraines au plafond bas des années 1970.
Regrouper en famille dans un musée monographique les tableaux privés avec les tableaux publics, les tableaux flamands avec les wallons, les classer, les expliquer et les mettre en espace, c'est créer l'album d'un artiste plus complexe qu'un homme au chapeau melon (1898-1967). Voici donc un Belge à Paris, un surréaliste à Bruxelles, un amoureux fidèle d'une beauté aux yeux si clairs, un monsieur en veston devant son chevalet, un esprit fort et facétieux qui se moque des mots et fait des poèmes à l'aide de formes, un drôle d'artiste tour à tour peintre, graveur, sculpteur, photographe et cinéaste. Bref, un personnage qui remplit à lui seul l'hôtel Altenloh, pourtant néoclassique et imposant. Comme Van Gogh en son musée à Amsterdam, ou Paul Klee en son Zentrum à Berne.
Ce jeune musée brasse avec science ce riche matériel qui le fait détenteur de la plus grande collection d'œuvres de Magritte au monde. Dans le sillage de Virginie Devillez, chef de projet, il raconte une vie d'avant-garde en 200 huiles, une cinquantaine de photos d'époque, une quinzaine d'objets inclassables comme les bouteilles peintes avec énigmes plastiques et personnages, une centaine de documents d'archives - tracts, correspondance, manifestes, partitions - et près de 40 films dont huit sont diffusés, à raison de deux par palier, sous d'énormes abat-jour noirs. Parti pris didactique et vivant que de réunir allègrement toutes les facettes d'un héros national de l'art.
Des maximes, insolentes et si vraies
Première impression ? Elle est sombre, comme les cimaises au bleu ardoise, bleu nuit, agencées avec goût par Winston Spriet, le scénographe du musée, talent bien connu de la foire de Maastricht. Elle surprend par sa théâtralisation de la pénombre, où l'on ne voit plus que les œuvres et les mots de Magritte, gravés comme des maximes, insolentes et si vraies, sur les panneaux ignifugés rouge foncé. «L'idée était d'absorber le visiteur et le faire entrer dans un rêve, comme dans une salle de cinéma», explique Michel Draguet, directeur de ce «Musée Magritte Museum» au titre bilingue et politiquement correct. «C'est l'anti-“White Box”, si chère à l'art contemporain aujourd'hui, cet espace conceptuel où l'œuvre n'existe que dans un raisonnement linguistique.» Ici, pas question du classique «Circulez, il n'y a rien à voir». La peinture règne partout, en étrange Mélusine.
«Dans la mesure où mes tableaux sont valables, ils ne se prêtent pas à l'analyse», disait Magritte. La leçon du peintre se fait autrement, par diffusion via tous les pores, par immersion complète dans un singulier mental. Elle commence au dernier étage comme au nouveau MoMA de New York, du début sous influence à la fin pleine d'enseignement, des affiches alimentaires des Années folles au Domaine enchanté où vibrent L'Empire des lumières, les oiseaux bleus, les hommes sans visage et avec pomme verte. Elle suit les étapes de l'art comme un tour de Belgique : «La conquête du surréalisme» de 1898 à 1929 (La Lectrice soumise, 1928, ou La Réponse imprévue, 1933), puis «L'échappée belle» de 1930 à 1950 (Le Retour, 1940), et enfin «Le mystère à l'ouvrage», de 1951 à sa mort (Le Domaine d'Arnheim, 1962). Le visiteur plonge en apnée pendant deux heures.
Musée Magritte Museum, place Royale, Bruxelles Tél. : + 32 (0) 2 508 32 11.
À lire : «Guide du musée Magritte », Hazan, 15 € ; «Magritte, son œuvre, son musée», de Michel Draguet, Hazan, 49 € ; pour les enfants «Le Petit Atelier de Magritte», de Raffaella Russo Ricci, Hazan, 12 €. À voir : Arte diffusera le 4 juin à 22 h 30 «Magritte, le jour et la nuit», un portrait inédit signé Henri de Gerlache.
Source : http://www.lefigaro.fr/culture/2009/05/21/03004-20090521ARTFIG00428-bruxelles-celebre-magritte-en-lui-consacrant-un-musee-.php
Eddie Breuil
mardi 26 mai 2009 17:28
New York, Artaud, Documents (revue)
Bonjour à vous, outre les informations et comptes rendus signalés par Eddie Breuil dans sa synthèse hebdomadaire, voici des annonces, avis, nouvelles, communiqués par nos abonnés. 1. Lucrezia Mazzei relève cet article du Monde pour ceux qui s'intéressent au séjour des surréalistes à New York pendant la guerre: L'exposition est visible jusqu'au 25 juillet.
Un regard américain sur la France des années 1940
LE MONDE | 09.05.09 | 14h18 • Mis à jour le 09.05.09 | 14h18
New York Envoyée spéciale
Auteur de La France de Vichy (Seuil, 1973) et spécialiste de la seconde guerre mondiale, l'historien américain Robert O. Paxton, né en 1932, a été professeur à l'université Columbia à New York, de 1969 à 1997. Il dirige l'exposition "Entre collaboration et résistance", sur la vie littéraire française sous l'Occupation, présentée à la New York Public Library jusqu'au 25 juillet. Il revient sur l'esprit de cette exposition.
Quelle idée forte avez-vous voulu mettre en avant dans cette exposition ?
Avant tout, je l'ai voulue didactique. D'abord parce que nombre de jeunes gens n'ont guère de connaissances historiques, mais aussi parce que les chercheurs ont fait beaucoup de progrès sur des questions comme la défaite militaire de 1940, par exemple.
Dans son ouvrage Le Mythe de la guerre-éclair (Belin, 1995), l'historien allemand Karl-Heinz Frieser montre que celle-ci, loin d'être jouée d'avance, a été la conséquence d'un calcul erroné de l'état-major français, qui avait jugé bon de poster ses meilleures unités loin au nord en Belgique et en Hollande. Or, tout a été fait par Vichy pour rejeter sur la société française "décadente" toute la responsabilité de cette débâcle.
J'ai voulu faire ressortir des continuités avec les années 1930 - et notamment à partir de l'affaire Stavisky, qui marque le début d'une intense mobilisation politique -, où nombre d'écrivains sont déjà orientés vers ce qui deviendra la collaboration, c'est-à-dire la tentation fasciste ou, pour reprendre l'expression de Drieu la Rochelle, "le rêve d'une France spartiate".
Comment voyez-vous le monde littéraire français sous l'Occupation ?
Ce qui me frappe, c'est de voir à quel point il est divisé, polarisé. Pourtant, c'est complexe. Un vrai résistant comme Jean Paulhan maintient des relations avec tous. Paulhan protège ainsi son amitié avec Marcel Jouhandeau et continue de correspondre avec Drieu la Rochelle qui l'a remplacé en 1940 à la tête de la Nouvelle Revue française. Autrement dit, il y a simultanément des divisions et des réseaux d'amitié personnelle et de loyauté envers les institutions.
Quel regard portez-vous sur l'attitude des Français en 1945 envers les écrivains collaborationnistes ?
Les Français ont en quelque sorte établi une hiérarchie. Il y a d'un côté les vrais collaborationnistes, ceux qui figurent par exemple sur cette fameuse photo où, à côté d'officiers allemands, on voit des auteurs français revenant du congrès des écrivains européens organisé à Weimar, en 1941, par Josef Goebbels, alors ministre de la propagande. Il y a là Drieu la Rochelle, Robert Brasillach, André Fraigneau... (Ne figurent pas Jacques Chardonne, Ramon Fernandez ou Marcel Jouhandeau. Ni Marcel Arland, Paul Morand et Jean Giono qui avaient décliné l'invitation à la dernière minute.)
Il y a donc ceux-là d'une part et, d'autre part, des écrivains comme Montherlant qui, bien qu'éprouvant de la sympathie pour la "révolution nationale" de Vichy, écrit quand même à Karl Epting, le directeur de l'institut culturel allemand à Paris, pour qu'il agisse en faveur de Benjamin Crémieux - une lettre par ailleurs assez tiède à mes yeux, et qui n'empêchera pas Crémieux de mourir à Buchenwald en 1944.
Enfin, il y a les auteurs comme Colette, qui a certes publié dans La Gerbe, d'Alphonse de Châteaubriant, mais un texte non engagé. Ceux-là, il était possible de leur pardonner. Colette sera d'ailleurs la première femme à rejoindre le jury Goncourt en 1945.
Et les éditeurs ?
Ça, c'est plus étonnant. Les éditeurs sortent de la guerre quasi indemnes. Il y a certes eu quelques punitions pour les plus compromis. Grasset a perdu sa maison. Denoël allait faire face à un procès lorsqu'il a été assassiné. Le cas de Gallimard est un peu différent, et la maison s'en est tirée à moindres frais.
Comment faut-il interpréter cette quasi-absence d'épuration dans l'édition ? Je ne sais pas. Sans doute est-il possible de faire un parallèle avec le monde des affaires. En 1945, la France avait grand besoin de faire repartir son appareil de production, on a donc tiré le rideau sur la collaboration industrielle. De la même façon, il était nécessaire de restaurer la vie intellectuelle, ce qui nécessitait des maisons prestigieuses comme Gallimard. C'est en tout cas mon hypothèse.
Quels sont dans cette exposition les documents qui vous frappent le plus ?
Deux lettres. La première est datée du 5 novembre 1940. Gaston Gallimard écrit à Jacques Schiffrin, le fondateur de la Bibliothèque de la Pléiade, une courte lettre un peu brusque pour le limoger. La deuxième est une lettre de Jérôme Carcopino, le 19 novembre 1940, plus sinueuse et empêtrée, mais dont le résultat est de priver Jean Wahl de son enseignement de philo à Normale-Sup. Ces deux courriers montrent à quel point une partie du monde universitaire et éditorial a fait appliquer le "Statut des juifs", sans grande pression de la part du gouvernement.
Publier ou ne pas publier, quelle est à cette époque la bonne attitude pour un écrivain ?
Beaucoup de résistants publient - Sartre, Camus, Elsa Triolet, Aragon... Très peu se taisent complètement, à l'instar de René Char qui écrit pendant toute la guerre mais ne publiera qu'après 1945. C'est un dilemme terrible. Ne pas publier, c'est laisser la France sans voix, et la vie littéraire aux mains des collaborationnistes et des Allemands. Publier légalement, c'est-à-dire en acceptant la censure, c'est faire le jeu de l'occupant, qui cherche à créer une impression de normalité, l'idée factice que tout va bien.
Propos recueillis par Florence Noiville
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Trois cents documents commentés
Organisée par l'Institut Mémoire de l'édition contemporaine (IMEC) et la New York Public Library avec le Mémorial de Caen - où a été présenté, fin 2008, un travail de moindre envergure -, l'exposition "Between Collaboration and Resistance. French Literary Life Under Nazi Occupation" rassemble plus de trois cents documents - livres, lettres, photographies, journaux intimes... - présentés par l'historien américain Robert O. Paxton et les deux commissaires français Olivier Corpet et Claire Paulhan.
Augmenté de trois cents reproductions d'archives supplémentaires, le catalogue en anglais (Five Ties) sera disponible le 27 mai en français aux éditions Tallandier (446 p., 45 €.). Il s'ouvre avec le texte d'une conférence de Jean-Paul Sartre sur la résistance en littérature, prononcée à Montréal en 1946 et restée inédite jusqu'à ce jour.
New York Public Library, Stephen A. Schwarzman Building , Ve Avenue , 42nd Street . Jusqu'au 25 juillet. Entrée libre. Article paru dans l'édition du 10.05.09
2. Marta Gonzalez Orbegozo me fait part du magnifique catalogue qu'elle a élaboré pour l'exposition "Artaud" qui se tient à la Casa Encendida (Caisse d'épargne de Madrid) du 2 avril au 7 juin.
On y présente une trentaine de cahiers d'après-guerre, de nombreux dessins, une sélection d'écrits et on y fait entendre la voix d'Artaud.
Outre ces reproductions, le catalogue contient des études de Sarah Wilson "Artaud, homo sacer", Guillaume Fau "La parole antérieure aux mots: le théâtre de la cruauté d'A.A.", Angel Gonzalez Garcia "Clous"; Marta Gonzalez Orbegozo "Le voyage" (le tout en espagnol). Informations complémentaires:
http://www.lacasaencendida.es/LCE/lceCruce/0,0,73537_0_73535_12393$P1%3D1
3. Didier Girard communique, en pièce jointe, le programme du colloque sur la revue Documents qui se tiendra à Rome les 11 et 12 juin 2009.
Bien cordialement,
Le modérateur Henri Béhar
Message d'origine ----- De :guy-aurouxÀ :melusine@mbox.univ-paris3.fr ; Henri BeharEnvoyé : mardi 26 mai 2009 19:36 Objet : Re: New York, Artaud, Documents (revue)
Bonjour, il se trouve que j'ai vu l'exposition de la NY Public Library sur le monde intellectuel sous l'Occupation, et si c'est un remarquable travail d'historien, mesuré, intègre et souvent inattendu pour un Français, en revanche les surréalistes n'apparaissent pratiquement pas dans l'exposition, hormis Eluard (comme communiste, non comme surréaliste); cette modeste remarque vise seulement à éviter une déception à ceux qui, habitués à suivre les périples des surréalistes à New York en 43 (ou même au Mexique), ou de s'intéresser à leurs positions ou à leurs sympathies trotskysantes, risqueraient d'en chercher la trace en vain.
mercredi 27 mai 2009 20:40
Cartes postales
Bonjour à vous, A propos de cartes postales surréalistes, Pierre Taminiaux me signale que dans son livre: Surmodernités: entre rêve et technique, L'Harmattan, 2003, se trouve un chapitre consacré à la revue fondée par Magritte en 1952, La Carte d'après nature. Voir: http://www.editions-harmattan.fr/index.asp?navig=catalogue&obj=livre&no=11466 Bien cordialement,
Le modérateur
Henri Béhar
